植物生长调节剂，该怎么使用？

植物生长调节剂的作用

摆脱休眠，推动发芽：刚获得的种子、未熟的种子、成熟和收获时环境情况不太好的种子和储藏不当或储藏太久的种子出苗率低或不能出芽，出芽慢或幼苗弱，进而危害发芽率，提升用种量。运用赤霉素等种理种籽，可摆脱休眠状态，推动出芽，提升种子出苗率，使出芽早而壮。

增蘖促根，培养矮旺苗：生长减缓剂有利于摆脱欠佳环境标准的危害，减缓小苗生长，产生矮旺苗。矮壮素、矮壮素等具备不错的培养旺苗的实际效果，关键使用方式有种籽解决和出苗叶片喷洒。

促进籽粒灌浆充实：生产常根据使用生长素、细胞分裂素类植物生长调节剂推动稻、麦的籽粒注浆充足。当在稻、麦孕穗期、盛开和灌浆期喷用细肥瓦解素、高产灵等生长调节剂，可在不一样水平上提高植物光合作用抗压强度和营养物质向男性生殖器官的迁移速度，增加叶子作用期，加速注浆速率，提升千粒重，提升生产量。

控制徒长，降高防倒：小麦等禾谷类作物在中后期常发生倒伏，尤其是高杆种类。在高液肥地域，即便 矮秆种类，仍有倒苗的很有可能。运用生长发育减缓剂可合理地操纵陡长，降高仿倒，提升生产量。

避免落花掉果，推动牢固：棉絮、豆类食品、瓜类蔬菜等无限花序农作物的花落掉果除与自然环境情况和种植技术相关外，还与营养生长和生殖系统生长情况及其身体生长激素均衡相关。在生产上可以用生长素类和生长发育减缓剂等改进其发育情况和身体生长激素均衡，进而避免花果掉下来，提升挂果率。

推动成熟：内源性生长激素细肥瓦解有着防衰老的功效，丁二烯和脱落酸能加速衰老，推动成熟。

浸蘸法：多用以种籽解决、催熟果子、储藏冷藏、推动插条长根等，在其中以推动插条长根更为常见。关键有下列3种：

快蘸法：将插条尖部浸于高浓度的药水中，经2～5s后就可以插枝。比如在繁育红提时能够将插条尖部浸于5000mg／L的吲哚乙酸水溶液中3～5s开展解决。

慢蘸法：将插条浸于低浓度的药水中泡浸一段时间，以促其头发，合适对枝条或头发比较难的插条开展解决，一般要将插条尖部浸于药剂水溶液中4～24h。

蘸粉法：插条尖部自来水淋湿后，再淋上混有植物生长调节剂的颗粒剂开展解决，适合枝条插枝，在盆栽花卉繁育中常见，具备简易便捷、插条不容易腐烂、存活率较高优势。

喷洒法：先将调理剂(加小量表活剂)配出一定浓度的药水，再用喷雾机将其喷撒

在植物的茎、叶、花、果等位置。喷洒时务求匀称，细颗粒物细微，浇湿截止。大规模应用还能够选用飞机场施药。

灌溉法：将药剂立即灌溉于土质中根据根茎消化吸收而做到有机化学管控的目地。该方式施药实际效果平稳，但应考虑到一些植物生长调节剂在土壤环境的残余情况。

蒸熏法：一些挥发物的植物生长调节剂，比如萘乙酸甲酯、丁二烯等，在运用时一般要用蒸熏法。比如，可以用萘乙酸甲酯解决仙客来根茎，令其出芽。

紫玉兰花的功效与作用是什么？

使用软笔作画的方法

一、执笔

执笔式

中国画的执笔法。是用四指着笔，小指不着笔而附于无名指的后面，与油画的执向笔和素描的执铅笔不同。油画笔和

枕腕、悬腕、悬肘

铅笔都是用三指着笔的。

为什么用四指而不用三指着笔呢？一个原因是中国画所用的毛笔是锥状体，四指着笔时，笔管下垂，国画多用中锋，而向下垂直的笔锋，恰好容易出现中锋。而三指着笔，叮出现偏锋，象油画及铅笔画，还需要使用偏锋，可见执笔决定于画种是什么。

另方面，国画与拓法有密切之关系。国画强调用线及写法，因此画法及书法用笔有相通之处，所以一般国画常常称作写而少称作画。

握管执笔的高低，要责所画的是工笔还是写意。工笔画执笔则要偏低，写意画执笔则要高，而且要悬肘运笔。篇幅不大的小写意画，多采用悬腕运笔即叮。一般笔管五、六寸长时．工笔画不能低于离笔管最下一寸的地方，写意可在二寸至三寸的地方，因为写意画的运动速度比较大一些。

枕腕

在作工致的人物画、或画人物的面部五富细微处，必须枕着碗来画，即把腕靠手桌面 上，这样指头也得以稳定，以描绘其精细处。

悬腕与悬肘

悬脱是把手腕的部位离开桌面而是起来，其旋转的幅度比枕腕大，运动的轴心转到了肘部。一般画较大篇幅时，是立在案前画的，这样就是悬肘作画．运动的轴心在肩，旋转度又大于悬腕。

就一张画讲，常常有一些地方写意，需要站着悬财画，而有一些点景处，如房屋、舟车、人物就要坐画，有的还需要枕腕来画。而画写意的花卉、兰竹等作品时，常常是悬肘站画，一气呵成，可得挥洒自如，随手应心之妙。清石涛《画语录》："画受墨，果受笔，笔受腕，腕受心。"'初学者，笔不应心，悬腕和悬肘，要经过一定时间的训练，逐步做到纸、笔、心、手相一致。

二、立意

意存笔先

"意存笔九，画尽意在"一语，出于唐代张彦远《历代名画记》．是他赞扬顾恺之的人物画所作的评语说明画者的意图，包括着主题的构思，形象的刻划，笔墨的运用，在动笔之光，已经都考虑成熟，这样在落笔时才可以脱颖而出，画作完了，画者精密而深透的意图在画上也永存下来了。这句话还说明构思一经成熟，下笔后才能“意在笔先”，“不滞于手，不凝户心一”，"画尽意在，象应神全"。

胸有成竹

宋代苏东坡看到文与可所画的竹子，十分赞扬，他分析其竹画得好的原因是"故画竹先得成竹于胸中"。这句话和意存笔先一样，成为我国的两句名言，既可以指导绘画，也可以指导人们的其它行动。中国画所凭借的材料是毛笔和宣纸，假定没有成竹在胸，用笔稍存迟疑停滞，就会造成笔致气韵不调畅，水墨溢出，如立意未周，又会使意境不显豁，便会影响观画者领会作画者的主旨所在。

三、用墨

水墨画

清代张庚帼朝画征录》说"画．绘事也，古来无不着色，且多青绿金粉，自王洽泼墨后，北苑继之，方向水墨"。可见国画中有一种单用水墨而不用色彩作画的形式，是从唐代中期开始的，这大概与一些唐代画家开始追求恬淡的画境与适于发挥水墨效果的纸张发展有关。在宣纸上调剂燥湿浓淡比在绢上方便，用微妙的墨色变化，无论湿笔点染或干笔被擦，部叮表达画家的襟怀清致。象宋代的山水画家米诺；人物画家梁楷等，已经把水墨的效能，发挥到相当的高度。宋元以

唐 王维 雪溪（传）

来，水墨画几乎占据门馊位置，不断开辟着水墨艺术的新领域，电彩画反而处于次要的位置。

水墨画时能起于既批山水诗人又批画家的王维，托名为王维所作的《山水决》中说：·'夫画道之中，水墨最为上，肇自然之性，成造化之功"。即以水墨画作为表现自然最得心应下，又最理鳗而高尚的形式。

水墨与颜色相比，可收到多姿多采的墨趣，其层次之乡和意外之变化都是任何色彩所难F凑效的，所以张彦远认为，""玄化无言，神工独运。草木敷荣，不待丹绿之彩"。又说，'金故运墨两五色具，谓之得意；意在五色，则物象乖岁。因此前人“墨为诸色之母"

严格讲，既称水墨画，应是一点颜色也不着的山水，花鸟画，象米芾的山水和徐渭的花卉等，在古人的作品中，极为多见。但也有略施淡彩的中阿画，人们也概称之为水墨画的。学习水墨画的重唤例；极为明显，因为相对来说，设色在国画制作上．终归处属于辅助的手段，很难想象，没有坚实的笔墨垠本功．而单凭色彩会成为一个典型中国画家的。即使从＿11笔重彩画家，也应精深手笔墨之变化，在此基础上，追求颜

色之变化，尤其在学习的步骤上，应以先采币J后八逐步入手为宜。

墨分五色

国画传统上有墨分五色之说："'运墨内五色具"。主要是说明墨的从浓到谈有五个色阶的差别。像吉了l、2、3、4、5、6、7七音控节寻声，形成整个音如一样．这样才能浓淡分明，画出色调层次，不过墨的音符从靠水来调节罢人过去对墨的五色，意见很不一致，现列表如下，供读者参考：

第一说 黑 浓 湿 干 淡

第二说 浓 宿 焦 退 埃

第三说 焦 浓 重 淡 清

第四说 浓 次浓 淡 次淡 最淡

还有用墨，浓、湿、干、淡、白作为墨的大彩。五色是概数，是形容层次多的意思，所以不要拘于怎样办法，我们只要认识到用墨由浓到谈要有墨色层次就行了。

墨的变化实际上就是水的变化，墨的干湿度也就是水的干湿。所以画什么效果，当没有把握时，最好通过试纸试一下再画，这样实践久了，就能做到心中有数，为了掌握果法之变化，亦盯试做各种浓淡干湿的练习，以对笔头的水份能够控制自如。

如何画国画

紫玉兰的作用与功效：

1、欣赏功效

紫玉兰不可是名药，并且是十分知名的观赏树木，它的花瓣粗大并且色调艳丽，花姿十分的幽美，另外会释放出美丽动人的花香，不论是种植在哪儿，花盛开之际都能变成大家关心的聚焦，可以说它的观赏性极高。

2、园艺花卉使用价值

紫玉兰开花期通常在3-4月，它一般会在初春盛开，花瓣绽放时满树的鲜红色花瓣十分的夺目，因而它常种植于园林景观、生态公园之中，还可以种在家里的小院子，与其它绿色植物配搭十分的有异味，自然在种植的情况下一定要搞好紫玉兰的害虫防治工作中。

3、经济价值

在紫玉兰的作用与功效之中，它的经济价值是十分高的，因为它的树根、叶片、花骨朵这些都能够当药，并且叶片、树根中还能够明确提出丁香油酚、桉油精这些物质，可制做成止痛的抗病毒的药，并且价格昂贵，因此种植紫玉兰还能够产生一定的经济发展收益。

4、寄情达意

紫玉兰意味着着芬芳和情思，因而它是能够赠给朋友或是亲人的，为此来表述我们的思念之情。另外它在含苞欲放的情况下，就好似软笔一样，因此也很合适赠给文人墨客盆友，来表述自身对盆友才华的赏析，由此可见紫玉兰还具备很高的赠予使用价值。

扩展资料：

形态特征

紫玉兰属落叶灌木，高达3米，常丛生，树皮灰褐色，小枝绿紫色或淡褐紫色。叶椭圆状倒卵形或倒卵形，长8-18厘米，宽3-10厘米，先端急尖或渐尖，基部渐狭沿叶柄下延至托叶痕，上面深绿色，幼嫩时疏生短柔毛，下面灰绿色，沿脉有短柔毛；侧脉每边8-10条，叶柄长8-20毫米，托叶痕约为叶柄长之半。

花蕾卵圆形，被淡黄色绢毛；花叶同时开放，瓶形，直立于粗壮、被毛的花梗上，稍有香气；花被片9-12，外轮3片萼片状，紫绿色，披针形长2-3.5厘米，常早落，内两轮肉质，外面紫色或紫红色，内面带白色，花瓣状，椭圆状倒卵形，长8-10厘米，宽3-4.5厘米。

雄蕊紫红色，长8-10毫米，花药长约7毫米，侧向开裂，药隔伸出成短尖头；雌蕊群长约1.5厘米，淡紫色，无毛。聚合果深紫褐色，变褐色，圆柱形，长7-10厘米；成熟蓇葖近圆球形，顶端具短喙。花期3-4月，果期8-9月。

参考资料来源：百度百科-紫玉兰

怎样学画中国画

一、国画的工具、材料和使用方法

（一）笔

1.笔的分类：

笔有硬毫、软毫以及介乎两者之间的兼毫三大类。

（1） 硬笔： 硬毫笔主要用狼毫制成，也有用獾、貂、鼠的毛或猪鬃做的笔，性刚，劲健。常用的有"小红毛"、"衣纹笔" "叶筋笔"、"书画笔"（大、中、小）、"兰竹"（大、中、小），以及大的 "狼毫提笔"等。 （2） 软笔： 软毫笔主要用羊毫制成，也有用鸟类羽毛制造的，性质柔软，有大小、长短各种型号。 （3） 兼毫笔： 兼毫笔是用羊毫与狼毫相配，或羊毫与兔毫相配制成，性质在刚柔之间，属中性。如大、中、小号的"白云笔"，"七紫三羊"、"五紫五羊"等都是常用的兼毫笔。 2：笔的使用方法

学画初学时用笔不必全部齐备，最初有大中小几枝就可以了。要从难要求，这对基本功的训练大有好处。待画熟练了，在进行创作时，可以多准备一些笔，选用好笔。

每次作完画，一定要用清水把毛笔清洗干净，防止宿墨和余色滞留笔根，破坏笔的性能。洗笔不要用开水，因为开水会使笔毛变硬、变脆。一般保存笔的方法是洗净之后放在笔筒里，也可以把笔吊挂起来。外出作画时可以买个细竹丝编成的小帘子，叫笔帘，把笔卷在笔帘里，携带很方便，能保护笔毛不受损害：

（二）墨

1.墨的分类：

墨有"油烟"与"松烟"两种。作画用的是油烟墨。

(1) 〔油烟墨〕 油烟墨是用桐油烧出的烟子制成的。油烟墨色有光泽，宜于作画. (2) 〔松烟墨〕 松烟墨是用松枝烧烟制的墨。松烟墨黑而无光泽，宜于书写，作画不常用。偶然用松烟墨来画蝴蝶，或作为墨紫色的底色。例如画墨紫牡丹，须先用松烟墨打底子。

2：墨的使用方法

磨墨应该用清水，磨时宜重按轻推，不可太快。磨研的圈子要大一些。每次用水不可太多，多则墨浸水中容易软化，如果需要多墨，可以把磨好的墨汁倒在另一个碗里存放，再加清水再磨）多磨几次 。

墨锭研后一定要把墨口拭干，防止干碎。墨锭不宜暴晒或受潮，最好用纸将墨包裹一层，再涂一层蜡，能防止断裂，又免于污手。

（三）纸

1.作国画的用纸

（1）绢：

中国画古代多数用绢作画，绢是很好的作画材料。绢也有生绢熟绢之分，经过捶压之后，再上胶矾水的叫熟绢，适合于作工笔画，现在有些工笔画仍用绢。但绢的成本较高，不便于普及，现在用绢作画的人比较少。熟宣纸的性质和绢差不多，所以现在多用熟宣纸代替绢。

（2）宣纸：

大约在元代以后逐渐选用宣纸作画。我国宣纸大约自唐代就开始生产，因为以安徽省宣城制做的宣纸最有名，所以称为宣纸。

宣纸的吸水性很强，容易渗化，用水稍多容易洇。这是它的特性，画出来的画墨色浓淡参差，富有变化，充分发挥中国画的特有表现力和笔墨技法。

常用的宣纸有：净皮、料半、棉连等。

好的宣纸要具备以下几个特点：

一是定笔，就是画上去笔触之间留有笔痕；

二是发墨，就是笔行纸上不串，不会把浓淡关系串通没有了，墨色不会发灰；

三是渗透力适中…

把宣纸用矾水加工，称矾纸或熟宣纸，它的特性就改变为不吸水，不外洇了，便于工笔画逐层上色，或用水色碰染。常用的熟宣纸有："蝉翼宣"、"矾棉连"等。

一些地方生产的生活用纸与宣纸的性质接近，如果能够掌握它的特性，也很适宜作画，并能画出与宣纸不同的某些效果。如：云南皮纸、温州皮纸、四川夹江皮纸、山西麻纸、东北及北京的高丽纸等。初学国画或练笔可以选用价钱比较便宜的粗制纸，如毛边纸、元书纸等。但白报纸、道林纸、绘图纸等不适宜作国画纸。

（四）砚

1.砚的种类

砚石的种类很多，有石砚、陶砚、砖砚、玉砚等，其形式有方、圆、长方及随意型砚石。以广东出产的端砚，和安徽出产的歙砚较有名，只是价钱较贵。 2：砚的选用

作画用砚不是收藏砚石。普通选用质地细，容易下墨的就可以。如果太细则拒墨，不易磨浓；如太粗研墨虽快，但墨汁也粗，且容易损坏笔毫。作大幅国画需要多墨，选用砚池宜稍深些，可以多存墨。砚石要有盖，可以使墨汁干得慢一些，又便于保持清洁。

（五）颜料

国画颜色分石色与植物色两大类。

1.石色

石色是矿石制成，有赭石、朱砂、石青、石绿、雄黄、石黄等。

2.植物色

植物色有藤黄、胭脂，花青等色。

二、中国画基本技巧之一 用笔

唐代张彦远说："夫物象必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似皆本于立意而归乎用笔。"张彦远在此强调了用笔与立意造型的关系。立意须造型、造型须用笔，用笔便成了中国画基础的基础。

1.笔与线

中国画的用笔实即用线，线是中国画最基本的造型手段。线在形体的塑造中绝不是一种对轮廓线的描摹，还能表现出物体的质感、量感和动感。比如在山水画中，斧劈皴给人坚挺硬朗的感觉；披麻皴则给人松软的感觉等等。线的运用，体现了中国画家对客观形象的概括、提炼和理解能力，体现了他们驾驭物象的巨大创造力。

在中国画中，线及其塑造的形体之间的关系，主要体现在线条自身的品格特征与作者之间的沟通。正如石涛所说："借笔墨以写天地万物而淘泳乎我也。"笔墨（线条）所具有的这种抒情写意性，是由于画家在运笔中出现的各种变化，使线条自身具有了千变万化的姿态。一方面，线条丰富多姿的形态可以唤起欣赏者对现实生活的万般物象中类似物体形态美的联想，使抽象的线条成为现实事物形体美的一种间接曲折的反映，因而唤起人们的不同感受。另一方面，画家在运笔过程中个人情绪、意趣、思想的灌注，使得中国画中的线条具有明显的画家个性特征，达到抒情、畅神、写意，进而表现画家的审美理想、气质、心灵、人格。这就是古人所说的"画如其人"。

2.笔与意

张彦远的"骨气形似皆本于立意而归乎用笔"，把立意看作是用笔之"本"，"本"即统帅。"意"包含着极其复杂的文化内涵，它是画家主观世界的复杂反映，即各种感情、理想修养、气质等等。"意"是主观的，但又不是纯主观的臆造。中国画家就是通过线的运用来实现这种"抒情写意"的。所以清代布颜图认为"意之为用大矣哉……故善画必意在笔先，宁使意到而笔不到，不可笔到而意不到。……故学之者必先意而后笔，意为笔之体，笔为意之用"。

作为人的主观世界活动的"意"，其本身是不能直接"用笔"的，中国画以意使笔的要领，就在于以气使笔，以意领气，即所谓"意到气到"，"气到力到"。"意在笔先"就是说画家在命笔落纸之前即已形成立意构思，一旦笔行纸上，意在笔中。 中国画家往往就是在这种情态下来把握自己瞬息万变的情绪流程，抓住来去倏忽的创作灵感，保持创作冲动的新鲜性和连续性，不失画机，一气呵成。

3.笔与力

气运用笔要求画者全身精力贯至笔端，下笔自然能产生力度，这就是"笔力"。由于构成画家的"意"的气质、涵养、情感、思绪不同，贯于笔端之气也会不同。以气使笔的"气"不同，也就造成了用笔"笔力"的多样性、复杂性和多变性。如吴昌硕运笔质朴而苍浑，赵之谦用笔如"绵里裹针"，郑板桥的线则秀挺刚直，更有名垂青史的"吴带当风"，"曹衣出水"。

中国画家在意存笔先、以气使笔中，创造出了形态有别各具韵致的种种笔法。笔法的变化是以笔力的变化来体现的，大自然与人类生活的多姿多彩又给中国画家提供了"笔力"的创造源泉。如王羲之从鹅颈的回转感悟到了笔力的弹性变化，张旭观公孙大娘舞剑而悟出狂草之笔法，而苏轼、黄庭坚又分别从逆水行舟与船夫荡桨中悟出了笔力的奥秘。

中国画家在运气使笔时，笔随气行，画家的天机才华，全在有意无意间自然流溢。清代王原祁说："神与心会，心与气合，行乎不得不行，止乎不得不止，绝无求工求意之意，而工处奇处蜚然与笔墨之外。"中国画家在作画的过程中，常说要排出杂念，保持松静自然的心身状态，就是要使气运笔端，笔笔畅通，笔笔见力。

三、中国画的基本技法之一 --用墨

用墨，是中国画的基本技法。历来的画家都讲究用墨，大写意画的崛起和生宣的普遍应用，用墨与用笔便成为中国画的基本特色。

中国画的用墨，主要是运用墨色变化的技巧。由于笔中含水墨量的差异，便产生干、湿、浓、淡的变化。以墨代色，产生了墨分五色的说法，唐张彦远《历代名画记》曰："运墨而五色具。"五色，即焦、浓、重、淡、清，而每一种墨色又有干、湿、浓、淡的变化，这就是中国画用墨的奇妙处。此外，还有墨分六色之说，清代的唐岱在《绘事发微》中谈道："墨色之中，分为六彩。何为六彩？黑、白、干、湿、浓、淡是也。"又云："墨有六彩，而使黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不瓣，是无凹凸远近也。"以中国画墨色变化的丰富程度是可想而知了。没有变化的墨色必然呆滞板浊，成为没有生气的死画。一个画家成功往往离不开用墨的精能，如齐白石画虾所以能妇孺皆知，一个重要的原因也就在于用墨的得当。他画虾曾三变："初只略似，一变毕真，再变色分深淡。"如今我们所见到他笔下的虾形态栩栩如生，通体透明而坚韧的虾壳，特别是虾的头部，在脑壳墨色清淡处，浓墨一笔即为虾脑，真是妙到了绝处。

中国画用墨技巧，并不是体现在调色盘中能调出多少种墨色的变化，而是如何使不同的墨色在纸面上体现出来，其中尤为困难的是，如何使一枝笔中产生出各种墨色的变化。随着中国画的不断发展，用墨的技巧也趋成熟，产生了"泼墨法"、"积墨法"和"破墨法"多种表现手法。

四、中国画的技巧之一 色彩的特点

中国绘画历来都十分讲究色彩的运用，南齐的谢赫，在《古画品录》中将"随类赋彩"作为"六法"之一。这以物象的种类不同面赋以不同色彩的理论，便是中国画用色的基础。

中国画讲究"随类赋彩"的同时，还十分重视空间环境对物象的影响，随着空间环境对物象的影响，随着空间环境的变化，物象的色彩也会随之发生变化。南北朝时的萧绎对这一现象曾作过仔细的观察，在《山水松石格》中谈到："秋毛科骨，夏荫春英，炎绯寒碧，暖日凉星。"这是我国最早说明季节、气候的不同，所以起的物象色彩的变化，特别是冷暖色调的变化。宋代郭熙的《林泉高致》中则概括了季节的变化对水色和天色的影响："水色：春绿，夏碧，秋青，科黑；天色：春晃，夏苍、秋净，科黯。"清代的唐岱《绘事发微》引用郭熙的话，更是形容得有声有色："山有四时之色，风雨晦明，变更不一，非着色以像其貌。所谓春山艳冶面如笑，夏山苍翠而如滴，秋山明净而如淡，冬山惨淡而如睡，此四时之气也。"

五、 写意画的创作方法

1． 意在笔先，胸有成竹。

写意画和工笔画不同。工笔画创作分为三个过程：首先起稿；其次勾墨线定稿；最后染色填彩完成。而写意画必须落笔成形，一气呵成。因此，在创作方法上，必须把所要描绘的对象，通过观察或写生，把各种物象默记在心，做到意在笔先，胸有成竹。譬如：你想画竹，必须在未画之前把竹子的形象、结构、特征乃至在风、晴、雨、雪等等不同环境中的变化理解得清清楚楚。通过想象，在动笔以前，一眼看去仿佛千枝万叶已经跃然纸上了。最后，把你所要描绘的竹子一枝一叶地通过一笔一墨刻划出来，这就是写意画的创作方法。但必须做到形象生动活泼，笔墨淋漓洒脱。

2． 落笔成形，一气呵成。

工笔画的完成经过上三个过程，需要花费时间；而写意画就不同，最好落笔成形。什么叫落笔成形？譬如撇兰叶，一笔下去从根部到梢头，它的浓淡、粗细、刚柔、顿挫等等，要求非常有力而且十分自然地表现出来，既不能涂改，也不能草率。所以在用笔时首先要注意调墨，浓淡干湿必须调配好，做到心中有数。运笔时要大胆落笔，既不紧张，也不忙乱，非常沉稳地一笔一笔地画下去，就能很好地完成。兰叶细长，草质，比较坚韧，有一定的硬度，但毕竟是草木花卉，又需要一定的柔度。古人在实践中积累了很好的经验，嘱做"喜气写兰，怒气画竹"的创作方法，这是很有道理的。今天，我们仍然可以做为画兰叶的一种指导思想。譬如：我们要把兰叶画得既"刚"且"柔"，可以用"喜气写兰"来指导我们进行创作。同时，要表达竹子高风亮节的品质和格调，也可用"怒气画竹"的方法来完成。这些要求都是落笔成形的例子，我们可以在今后实践中去体现。

另外，所谓一气呵成不能理解成呼一口气就要完成。譬如：我们要画二三十片兰叶，最好一下完成，也就是一气呵成。这样处理很有好处，可使笔与笔、叶与叶之间的相互交错、穿插和笔法的连贯及气势的衔接等等都不受影响。否则停笔久了，就会把原来的意图改变，可能使先画和后画之间统一不起来，达不到尽善尽美的境界。因此，一气呵成的绘画习惯应该在初学时培养好。其次，正因为落笔成形就必然造成"可一不可再"，这也是写意画的特点之一。

六、山水画写生方法

说起"写生"，就令人想起那种支起画夹，对景描画，一坐半天一天的经历，这一般是西画的写生方法。而在中国画，所谓"写生"，往往是"皮袋中置描笔在内，或于好景处，见树有怪异，便摸写记之，……"（元·黄公望《写山水诀》）。中国传统的山水画写生观中，实在是把对自然的深入观照和细微体悟放在首位，并使自然山水与画家心灵互融神会，最终达到顾恺之所说的"与山川神遇而迹化"的目的。为达此目的，光是"模写"是远远不够的。遍游名山大川，融汇于胸，然后发于毫端，而至传神。观照与体悟的功夫是必须到家的，只有这样，才有可能神遇而迹化。

中国古代山水画的写生观，其实是把人与自然山水融为一体，山水即我，我即山水，所以在"物我"之间了无阻碍，既然山水之神已达，必定形神俱足。这一点是目前现代意义的"写生"无法达到的。但其精神，对现代山水画写生教学，也有其积极作用。

1.现代山水画写生的作用

1.1写生的桥梁作用

中国画的学习，一般均从临摹入手，并贯穿全过程。作为学习国画的一种重要手段，通过临摹，能在短期内高效率地迅速了解国画的各种基本技法，从而达到事半功倍的效果。但由于国画技法，经过前人反复锤炼，已成十分完善的程式，临摹一久，很易被其完善的程式所迷惑而不能自拔。而通过写生，就能使学习者在传统技法下的程式化山水与真山实水之间架起沟通的桥梁。

1.2写生的记录作用

作为游历山水时的感受的记忆手段，写生也有其重要作用。当面对真实山水时所得的感触，同时因地、因气候变化的阴晴明晦、云蒸岚飞，都会有许多变化。这些用写生记录，往往比较切合感觉，而一拍成照片，往往反而因太"真实"而缺乏感人力量。

1.3写生的体微作用

比较山水画的临摹与写生，临摹等于是在求教名师，只要精研细察，必能得莫大收益。但如不能把这些临摹所得与自然真山水相比照，就不能有大收获。直接面对活生的自然山水，通过细致入微的观察，往往会有自己的独特体会。这些独特体会经过多次强化，并反复去粗存精，就会成为个人绘画风格面貌确立的起点。

2.山水写生应注意的地方

2.1 不要"泥古不化"。

过分强调临摹所得的山水画技法，特别是山石皴法等，结果是要么活山水被程式所囿写成死山水，要么是思路被真山实水所束缚，而找不到表现的方法。

2.2 避免"食洋不化"。

是以西画速写的方法直接移植入国画山水写生中，把国画写生等同于硬笔明暗速写或线描速写。其直接恶果是当速写得心应手之后，无论平时随手挥写，或严肃的创作，所画之作几乎全为一副"速写相"。这些画作，如果光从画面视觉效果看，可能也不错，但却不能称是中国山水画。因直露和肤浅，直接决定了其品格的低下。

3.山水画写生法

3.1 局部模写法：适合初学者， 临摹未到熟练程度，真山水写生又未多接触，须要两相对照，揣摹模写，此时切忌贪大求全。

3.2 详记法：

较完整"真实"地记录画面，适合初步熟练的学者，此时即当强调感受之真实，而非物象表面之"真实"。

3.3 记异法：

只对特别的事物加以记写，适合时间较少或有特别感受时用。

3.4 记意法（简记法）

只简单记录一个印象，不作详细刻画。

3.5 放大法：

选取一有感受的局部，放大并作较详尽表现，常可有意外收获。

3.6 映象法：

针对整体景物的感受，较简洁的画出大体印象，不求形似，但求达"意"。

3.7 映象重叠法：

不多作一山一水的速记，而注重整山整水甚至千山万水的叠加印象，此即所谓"行万里路，读万卷书"，丘壑在胸，妙造自然。

3.8 重复体味法：

此法即留恋于此山此水间，留连忘返，反复观照体味，使山水形象完全烂熟于胸，以致行坐眠食 ，时刻不忘。石涛之钟情黄山，潘天寿先生之画雁荡，黄宾虹先生之爱观夜山，即得此法三昧。

4.总体的把握

4.1中国山水画是宏观的，要在宏观把握中去处理微观，注重整体大感受，防止受拘于一草一木。

4.2写生越熟练，越要减少直接对景描画，而多把身心投入观照，体悟造化的神妙，在这里"观"十分重要，通过"观"和"看"，努力达到物我两忘之境。

4.3应特别注重特定条件下的自然山水对自己产生的强烈感触，因这类感触往往是你个人特有的体验，努力强化这个体验并表现它，那就是你神遇而迹化的开端，也就是你的绘画风格确立的开端。

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