一张好照片的决定因素，通常都是由摄影师的经验和美学素养来打底的。下面是我为大家整理的拍出好照片之决定性因素，希望能帮到您！
拍出好照片之决定性因素
1、教自己正确认识光
光是摄影的灵魂，也是无论什么时候都不能回避的一个基础，说得直白一点，摄影其实就是用光来作图，正确认识光，正确利用光，是一张照片成功的决定性因素。不管你手上有没有相机，你都要养成一个习惯，在看到一处特别的光影的时候，想像一下，如果手上有相机，你会利用这处光影拍出什么样的画面。
你的相机只是一个可以吸收光线的暗盒，只不过有些做的很花哨，有些做的很简单。
光是以什么样的角度照射下来的？光有颜色么？光在物体表面是否反射出有趣的形状？有没有创造出独特的阴影？
如果你能理解光，你一定会成为一名好的摄影师。
2、主动构图
在构图习惯上分为两种人，一种人习惯先拍照后构图，一种人习惯先构图后拍照。然而不管是哪种，构图都是雷打不动的铁律。
这里倒不是说构图一定要遵循一个什么样的原则，构图本来其实毫无原则可言，只要照片让人看着舒服，那就是一个成功的构图。但是怎么样才能拍出让人看着舒服的照片呢？其实还是有章可循，一些基础的构图规则还是要熟悉，对于初学者而言，从基础规则练起总没有错，只有这些基础规则得心应手了，才能打破规则，创造规则。
最简单的基础规则就是三分法则和引导线原则了，在拍照的时候，主动在脑海中构想如果使用三分法则，这张照片哪里是焦点，而这张照片的引导线又在哪里。
想要在一个二维的空间去表现三维的世界，透视不可缺少，对于任何一位学习过建筑或者绘画的人来说，他们都会很明白在二维平面表现三维世界的过程中，透视的重要性。
习惯在拍摄前思考，并且逐步缩短这个思考的过程。
3、内容最重要
说出来很简单，但是很多人就是抓不住内容，拍出来的照片往往空洞无物毫无重点。在按下快门之前，你知道自己拍摄的主题么？你捕捉下来的眼前的画面的主体是什么？恐怕很多人只是单纯简单的按快门罢了。
寻找自己拍下的画面的主体，其他的一切规则都是为了这个主体服务的，这一点是好照片的基础。
只有主体明确了，围绕着这个主体的故事才能够说的明明白白。
4、不要忽略背景
很多人喜欢用超大光圈去拍人，结果拍出来就是一个清楚的人，背景全部都被虚化。
其实，很多时候背景是可以为故事服务的，一个好的背景可以更好的解说这张照片，一个好看的人像照可能只是人好看，除去人，毫无意义。想要拍出一张好的人像照，合理的背景必不可少。
5、从不同的角度看世界
我们习惯于将相机放在眼前，在自己的视角的水平线去拍照，去看待这个世界，但是如果想要超越自己的主题，就必须要有突破。
从某种角度来说，换一个视角拍摄，你更容易看到不同的世界，让你拍出一个全新的主题。
你可以靠近，可以离远，可以放低相机，也可以俯视这个世界。用一个全新的视角，来重新诠释这个世界。
6、抓住细节
其实美就在我们身边，我们日常生活中会有很多场景都是绝佳的镜头只是我们身处其中毫无知觉。作为一名摄影师，就是要留意我们身边的小细节，记录下我们身边的，但是不被人注意的生活之美。
不一定要将相机随时带在身边随时举起相机拍照，现在手机这么强大，用手机随手拍也是一个不错的选择。养成用镜头看世界的习惯，你会发现更多的美。
7、寻找线条
线条无处不在，不管是天地尽头的水平线还是路边的电线杆，建筑物的边缘，马路的延伸线。
利用这无处不在的线条来构图，将它们作为引导线或者分割线来拍出有意思的画面。
你可以利用这些线来创造你的主题，也可以用这些线来围绕你的主体，更加可以利用这些线来制造一个框架。
好的构图，一定要学会利用好线条。
8、学会等待
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所谓决定性的瞬间并不是碰来的，而是等来的。当你发现一个地方很好，很适合拍照，你可以在那里等待，等待光线的角度到合适的位置，等待有趣的人经过。好照片只属于那些有耐心的人。
拍照取景技巧
一、远景
远景，主要用来表现景物的全貌，体现画面的完整性和整体性。远景在风光摄影中经常采用，特别适合拍摄山川、海滨、湖泊、城市、森林等大场景的画面。另外，在表现人数众多的活动时也可以利用远景来营造画面的氛围。
拍摄远景时最简单的方法：先将镜头的焦距调到无限远，将相机拍摄功能设到自动档，接着半按快门，相机就会自动匹配光圈和速度，然后全部按下快门，拍出来的片子一般不会有多大问题。但如果采用光圈优先，通常应将 f 值调到11~22的小光圈，这样拍出的片子可以保持适当的景深。
二、中景
中景主要用来表现景物的`中观特色，可表现海滨景观、公园景色、建筑全貌、人物群体等。中景的拍摄方法大致与远景差不多，只是通过调整镜头焦距，将拍摄的景物再拉近些，使画面中的主体比远景更突出些。
三、近景
近景可以突出景物的特色、人物的神情或物体的质感。用配变焦镜头的数码相机拍摄近景，只需一边用眼睛注视相机的取景框或显示屏，一边用手将焦距环调整到合适的位置，同时调整画面构图，接着半按快门聚焦和测光，最后完全按下快门完成拍摄。如果是定焦镜头的相机，就需要人向前移动到适当位置，缩短与拍摄物体之间的距离，然后完成取景、构图、聚焦等拍摄动作。
四、特写
特写主要用来表现景物最具特色的部分，是对被摄体的某一个局部进行集中的表现。特写可以用来突出人的面部，或花卉、昆虫、鸟禽、鱼类、宠物等细部。
拍摄特写技巧：一是注意画面构图。要选择最具鲜活的特征，讲究韵律美感，不然拍出来的画面缺乏生机和活力。特写构图画面应力求饱满。二是选择中焦距镜头。中焦距镜头是指焦距范围在85～135mm的镜头，用中焦镜头最适合拍摄人物特写，变形较小，透视也正常。三是注意拍摄角度。根据拍摄主体的特征选取最佳角度。四是注意用光。采用侧光或逆光，可以使主体特征更鲜明。五是适当控制景深，采用2.8~4.5的大光圈，将背景或前景虚化，突出主体形象。六是将焦点对准最能表现主体神韵的部位，如人和动物的眼睛、花蕊、水珠等，可采取点测光，获得准确的曝光(见示范图片)。
五、微距
微距摄影可称之为“特写中的特写”，一般指拍摄图像大小与实物大小的比例超过1∶1。微距能够放大微观世界，捕捉人们日常视觉看不到的细微东西，因而形成独特的美感。目前数码相机一般都具有微距拍摄功能，即便是入门级摄影爱好者也能操作，但要想真正拍好微距照片，绝不是一按快门就能拍出惊艳之作的。
微距拍摄时应注意：
⒈保持相机拍摄时的稳定。微距摄影即使是微小的抖动，比如呼吸引起的身体抖动、按动快门造成的抖动，都会影响画面的成像效果。如果使用三脚架或独脚架是最好的，快门可以设置延时自拍来降低相机抖动。
⒉保持焦点精准。一般应对准拍摄物体最具特征的部位，比如花卉的花蕊，叶子上的水珠，鸟或鱼的眼睛瞳孔，这样才能拍出影像扎实、锐利度高的作品。
⒊选择适当的光圈。微距摄影一般景深很浅，如果使用最大光圈很可能合焦面过窄，拍摄时应该根据情况，适当缩小光圈来拍摄。
⒋采用速度高的快门。由于风吹会造成花朵的晃动，昆虫或动物自身也会游动，所以微距拍摄时即便使用三脚架，也还是要采用1/500以上快门速度才比较保险。
⒌善于利用小工具。比如，黑布或黑卡纸，当做背景可以突出主体白布或白卡纸，既可以用来补光，又可以挡风拍花草时用小喷壶或矿泉水瓶喷洒点水珠，会使照片显得鲜亮水灵。
六、平视角
平视角是镜头与被摄主体基本上在一个平面角度，能够清楚地展现出被摄主体正面的形象特征。平视角拍摄所形成的画面，比较接近于人们的视觉习惯，透视感比较正常，给人以平稳和舒适的感觉，能表现景物的对称美，是一般旅游摄影者常用的拍摄角度。但平视角拍摄如果驾驭不好，容易使画面显得呆板、缺乏生气。
七、斜视角
斜视角是镜头与被摄主体成斜角，有助于表现出被摄主体的立体感和空间感，增加景物的层次，使画面富有生气，是摄影取景运用比较多的角度。特别是在人像和花卉摄影时，最好是采用斜视角，这样可以更好地表现主体的轮廓特征，拍出的照片，线条清晰、层次分明、立体感强。大多数物体是只有从斜视角才能把握它的特征。例如人走动时的身影，各种车辆的外形以及建筑造型等都具有这样的特点。斜视角拍摄比平视角有更大的灵活性，能更好地表现拍摄主体的特色。
八、仰视角
仰视角是镜头朝上与被摄物体成仰角，形成的画面能够改变景物前后的自然比例，使前景高大，主体突出。仰视角不是人们日常观察事物的常用方式，由于透视关系，使画面中水平线降低，前景和后景中的物体在高度上的对比发生变化，使处于前景的物体被突出、被夸大，所以采用仰视角拍摄出的片子，能形成特殊的视觉透视效果。仰视角适合拍摄高耸的建筑，高大的树木。有时用仰视角拍摄花卉，在蓝天白云的衬托下，能突出其质感，同时使画面更加简约。用仰视角拍摄高大物体时，一般采取站姿，而拍摄相对低矮的物体时，则采取蹲姿、单膝跪姿甚至卧姿。
九、俯视角
俯视角是镜头朝下与被摄对象成俯角，以俯视的角度来拍摄，最大特点是能使前、后景物在画面上得到充分展现，增加画面的空间感。俯视角是站在高处往下拍，拍出的片子具有空间广度和纵深感，往往能产生令人惊叹的画面效果。俯视角是风光摄影常用的拍摄角度，视野开阔，用来表现宽阔的场景，有其独到之处。采取垂直角度俯拍，可以使画面形成富有特殊表现力的情趣和美感。
拍照摄影技巧
1.放射状构图
放射线构图用来光线来展示有着很强的视觉冲击力，同时也让人不自觉地将视线转移到放射中心。用其它物体实现放射线构图，如云彩，树木等会产生一种开阔舒适扩散的感觉。
放射线构图是不容易掌握的， 有一个前提是放射中心必须具有压倒性的视觉吸引力，否则会让整个画面变得沉重。此外，找到放射状散开的物体要有一定功力，需要长时间的观察和练习：蛛网，烟火，人流，树叶，建筑，墙上的纹理等等都可以成为放射线。寻找放射状光线，可以在清晨时分的树林里寻找通过树叶射下的阳光，或者在夕阳下等待阳光从云层中通过，但要提前做好计划，因为这两种光线持续的时间都不会很长。
2.添加人的元素
人最好奇最关心的是人类自身，而拍人也是最具挑战性的，人类的世界时如此的纷繁复杂，快乐与痛苦，贫穷和富有，幸福与残酷，总之充满了各种矛盾。以人为拍摄主题的好作品能够对人的心灵产生巨大震撼和共鸣。如何在有限的时间与空间中表达人物丰富而又不可捉摸的内心情感是非常不容易的，所以绝大多数摄影大师拍摄的都是各类人物。同时，在风光摄影中添加人的元素，如果使用得当的话，会为整个作品增色不少，甚至实现质的提升，变为点睛之笔。
这张照片本身构图没有问题，但如果没有人的存在，就成了一张普通的风光照，这样的作品多如牛毛，但是钓鱼者的存在让作品立刻生动了起来：人的姿势优美，平衡了整个画面，最重要的是人的存在让观看者内心产生了情感活动，仿佛自己进入了画面，变成了垂钓者，让人浮想两篇。
本就美丽的风景，因为人的存在，产生了与环境的呼应，也就是意境，同时拍摄主体的转换和明确，也让作品在数以千计的同类照片中脱颖而出，赚足眼球。
但要注意的是，人物必须与环境融合在一起，也就是搭调。要是上面这张作品上钓鱼的人换成了一身装备的登山者，就不会有这种意境。
再说一说这张照片所使用的镜头，在佳能的标准变焦镜头中，EF 24～105-105mm f4L IS USM是和佳能目前的全画幅单反相机进行搭配出售，以其涵盖的丰富焦段和优秀的成像质量来说，性价比很高，并且这颗镜头带有IS光学防抖机构，包含了大部分常用焦段，有很好的实用性，画质是L级镜头的高品质，广角区域的边缘画质和远摄区域的锐度均较好，非常适合在拍摄风光时使用。
3. 大块色彩空间
大面积有色彩空间的合理布局会极强地增加作品的冲击力与感染力，帮助提高自己作品的辨识度。
人的加入让作品增色不少，一身长裙的女孩走向大海，与环境完美融合。大场景，更是赚足了眼球，同时通过颜色的对比(红与青是互补色)，让人眼前一亮。
大面积色块简化了照片内容，使内容变得简洁明了，减少干扰元素，有利于凸出主体，用一句话来说就是抽象现实。当然这类场景本身就是比较稀缺的，因此遇到这类场景千万不要错过。这时为了造成一定的视觉夸张，增大有色区域大小通常会使用广角甚至超广角镜头，而这类镜头本身就会让画面变得开阔宏大，二者叠加更好地加强了作品的形式感，让作品脱颖而出。但是使用广角镜头拍摄不容易控制，因为牵扯的视觉元素太多太杂，这就需要有很强的功力，还要有很详细的拍摄计划和耐心。只用你敢想敢做，技术娴熟，鱼眼镜头也无妨。
提到广角镜头或超广角镜头，就不得不提全画幅数码相机和非全画幅数码相机的差别。对于初学者来说，要搞清楚两者之间的优劣有点困难。全画幅对非全画幅的一个重要优势就是成像区域，全画幅成像区域更大，这是感光元件的尺寸大小决定的。两者之间有一个换算关系：对于佳能来说换算比例是1.6，尼康是1.5，举个例子，用Canon 60D搭配50mm镜头拍摄，得到的成像区域相当于全画幅相机Canon 5D Mark Ⅲ搭配80mm镜头拍摄的，也就是说得到的照片视觉范围小。如所以全画幅相机能够完全发挥镜头，尤其是广角镜头的能力，想要得到视觉冲击力强的大场景照片，全画幅相机不可少。
4. 体现矛盾对比
对比分为很多种，静与动，慢与快，明与亮，大与小，以及颜色上的对比(如海天一色所示)都会增强作品的吸引力。
生活在一个充满矛盾的世界里，正因为如此，世界才变得丰富多彩，变化无穷。而矛盾冲突也正是艺术表达方式的最重要的手段之一，例如电影，戏剧与书籍的高潮往往就是矛盾冲突最强烈的时候。具体到摄影本身，矛盾对比也是让作品与众不同的不二法门，缺少了对比的作品会显得平淡无奇，所以要让自己的作品好看并且耐看，制造对比是必不可少的，应该留意生活中发生的矛盾冲突，锻炼自己的观察力，除此之外，还可以人为制造。
黑、白、灰是黑白摄影的基本影调，不同比例的黑白灰影调变化构成高色调、中间调、低色调等不同基调，因此正确掌握黑、白、灰是黑白摄影的关键，一张正确的黑白照片要兼顾三种影调层次的分布和变化(高、中、低调)，才能更好地表现影纹与细节，同时不同深浅的灰调对丰富影调层次至关重要。
5.数码暗房
有些人总是对数码后期嗤之以鼻，这点让人非常不理解，即便是马格南的照片，都会经过暗房师的后期制作，其精细程度让人嗔目结舌。
摄影从来都不是真实地反映现实世界，同时也不具备这种能力，你的取景，镜头光圈，焦距，快门速度的灵活使用都是一种对现实的再加工，所以当拍摄的图像存储在了数码存储介质上时，已经成为了主观意象，而不是客观还原，那还有什么理由去拒绝后期?因为你拍照的时候，干的就已经是后期的工作了。
其实，拍出好的作品，需要很深入的思考，而思考，不仅来源于平时知识的积累，也要多实践。多拍多想多看。经常观赏优秀的作品，从中找出自己的差距，相信大家一定能拍出优秀的作品。最后提一点：为照片起一个好名字，好的名字不仅能吸引眼球，更重要的是对照片的信息补充与呼应，起到锦上添花的作用。
谁有美国画家奥基弗 O'Keeffe 的资料，爱画大花朵的那位？
导语 ：“花”传达了一种季节的、充满生机的、多彩的、活泼的意象。怎样才能抓住最自然的人像表情，从而打造出浪漫诱人的作品?白平衡又该怎么调?恼人的杂乱背景应该怎样删除?我们一起来看看吧!
第一步：摄影师需要做什么
一、 这张照片我要表现什么主题
很简单，主题就是被拍者。但其实在镜头下的不仅仅是人，还有她/他的表情她/她的情绪，我们通通需要将其纳入镜头之内。
二、选择一个好的场景
好场景宛若好舞台，虚实之间，变得富有层次，它让平面化的场景变得立体化，且随着景深的渐变，在大片花海中拍摄人像，给大家以场景宏壮的心里默示。
三、 画面简洁了吗?是不是只包括了有利于把注意力引向被摄主体的东西
拍摄人像最常见的问题就是背景过于杂乱，为了避免后期上的繁琐，在一开始，就应该选择比较简洁的背景。如果是在室内拍摄的话，可以考虑简洁又色彩丰富的窗帘或者墙壁，而户外则尽量避免太多杂乱的背景。前往不要吝啬那么几分钟时间去移走那些碍眼的背景。
四、怎样把注意力集中到被摄主体上，又如何把观赏者的视线引过来
对于人像摄影，最好的方法就是放大模特，让其处于照片中间偏上，而人像的头和肩膀最好都出现在镜头内。由于太近距离拍摄会让人像像是被冻结在画面中，会产生十分不自然的效果，所以推荐在4-5英尺(1.2-1.5米)外拍摄，因此，最佳拍摄人像的焦距为85-135mm内。
五、让模特保持放松的状态
浪漫人像和普通人像的最大区别就是我们要呈现出最自然的爱意和浪漫氛围，娇柔做作可不会拍出好照片。所以，让模特保持放松的状态是摄影师的最重要人物。
注意千万不要要求你的模特给你一个灿烂的大笑，因为往往出来的效果都感觉很强迫性。相反，要求眼神中的笑容或是淡淡的微笑可能更能带出浪漫的情绪。
第二步：拍摄技巧
1、设置IOS值与快门速度
快门速度尽量保持高速，这样可以有助你捕捉到更多细腻的感情。至于ISO的设置，我们推荐室内400，室外200。在拍摄时，闪光灯可开可关，这取决于你自己的选择，而在使用闪光灯时，要让对方远离墙壁或者窗帘一点，尽可能减少黑影的产生。
•渲染气氛
运用较慢的快门速度拍摄创造性的概念作品试着用1/2秒，1/4秒或1/8秒的快门速度使你要拍摄的对象或他周围的物体变得模糊。你会发现这样做会很有效地渲染气氛而且画面会更加明亮，有一种梦幻般的效果。这种技术最适合艺术摄影或是用照片重现古典感觉。如果你无法使你的相机保持平稳，可以借助三脚架。
要制造一种梦幻般的效果，你需要将相机固定在三脚架上，在弱光下拍摄，并尝试不同的快门速度。将相机调至小光圈，高感光度，然后用B门配合不同的时长进行拍摄。
这条建议的关键在于实验你需要通过不同场景的测试以拍出最好的照片。一旦你找到了最佳组合，尝试以不同的姿势去拍摄你选定的对象。
•抓住最具动感的瞬间
用较快的快门速度可以在运动中定格你的拍摄对象。试着捕捉一位快速的动中位舞者的动作或是拍摄对象将头发从一边拨到另一边时的动作。用这种方式捕捉动作是肉眼所远远不能及的，因此也就能拍摄出视觉上十分震撼的作品。
•掌握后帘同步
一种更具进阶性的技术是用闪光灯或影棚闪光灯支撑后帘同步(这就意味着在快门关闭前开启闪光灯，而不是在快门开启前)。
运用后帘同步你就可以制造出富有创造性的模糊的光束，但是相机的闪光(无论是来自闪光灯或灯光)却能清晰地捕捉你的拍摄对象。你可以用闪光枪或影棚闪光灯来达到后帘同步的效果。通过不断地试验以求在你的拍摄对象和光束之间达到最佳的光氛。如果你掌握了这种技巧，效果将是惊人的—继续尝试下去吧。
•运用变焦功能
通过聚焦你的拍摄对象，并不断地快速拉近拉远焦距，可以制造出放缩模糊的效果，这是肖像摄影的一种好技术。你需要运用较慢的快门速度去捕捉变焦移动首先聚焦于你的拍摄对象，然后不断地放大缩小你的镜头。也可以尝试将这种效果和来回地移动你的拍摄对象相结合以创造出更加有趣的效果。
•混合不同快门速度下的照片
通过图像处理软件合成图像来结合各种快门技术。试着将你用较快的中速拍出的照片和较模糊的照片合成制作出一幅艺术照。你还可以复制你的拍摄对象，这样在同一张照片中就会有多个对象。
2、构图决定全部
在人像摄影中，人物是摄影者明确表现的摄影主体。人像摄影的构图就是把被摄者放置到画面的什么位置，如何来突出被摄者这个主体的构图技法。在人像摄影中，简化画面中的其他元素来突出人物的构图方法是一切拍摄人像的基础，这是拍摄人像时摄影者必须掌握的基本常识。在人像拍摄中，简洁的构图是成功的关键。常见的人像摄影构图技法有：直线构图、三角形构图、对角线构图和曲线构图。
怎样选择适合不同人像的摄影构图技法呢?拍摄前，摄影者首先要根据拍摄的主体人物的不同有意识地选择合适的构图方法。然后感受主体人物的心情与周围环境，确定拍摄的风格。
·高、低机位穿插使用：
高机位大约带给读者差异凡响的视觉效果，大约突出天空，也许将花卉充满整个画面使电影变得更加大气。低的机位，也可让摄影师在面临较小面积花地时，内景拍摄的基本。
·直白表现是特写的惯用手法
人像特写最直观的拍摄方法就是将人物面部充满画面，相机靠近模特，在画面中可以预留一部分区域用作构图的空间，但不要收取过多人物颈部以下的身体躯干，抓取模特最精彩的神态按下快门。
虽然特写的拍摄看似简单，但有许多细节需要掌控：首先，特写对模特的要求很高，五官、脸型必须端正同时，由于特写照片皮肤占据了画面的大部分区域，因此前期化妆非常重要另外，特写考验模特的表现力，模特必须大方、充满自信最后需要注意的是控制人物变形，因为特写照片的拍摄距离近，容易引起脸部、五官的变形，拍摄时要控制好角度，慎用广角镜头。
·正面构图：平衡感、眼神、手势的把握
相机位于模特面部的正前方这样做的好处是可以方便地处理画面的平衡感，完美客观地体现模特端正精致的面部和优雅的体态缺点的是该构图形式如果处理不当会使画面显得呆板，模特需要有比较强的表现力，换言之，需要强大的气场。
提醒你注意模特的眼神、手势和面部表情变化，其实最重要的眼睛，因为神情往往是通过眼神来调动和表达的，科学研究证明，面部肌肉的活动和眼睛有着莫大的联系。
·侧面构图：轮廓线的重要性
相机与模特面部夹角大约为90度这样便于塑造模特有力或柔和的面部轮廓像和体态另外，拍摄侧面人物肖像，除了那些五官端正、侧面轮廓线条富于变化的人物之外，部分面部形象不够完美的形象也可运用侧面构图来掩饰有缺陷的部分。
切记在模特的面部所向的位置留出适当的空白。另外，在拍摄某些运动中的被摄对象时，深具动感。
·斜侧面构图：加强主题的立体感
相机位于模特正面脸部的45度左右斜侧面构图既能表达模特的正面主要特征，又能展示侧面的基本特征，实际上是表现了被摄对象的“两个面”，使构图形式生动活泼，富有立体感，而并且有利于加强画面空间的纵深。
如果你稍微留心的话，会发现个别模特的两只眼睛或耳朵大小不一，在这种情况下，可以采用斜侧面的构图方式，适当隐藏模特的生理缺陷，拍摄人像时，要尽量调动各种艺术手段来塑造和美化人物形象。
·后侧面构图：展示环境和背景特征
相机位于模特背部的任何角度(90度除外)，以看到模特侧脸为准用于表现模特背面和侧面某些特征的一种构图形式，与斜侧面构图的拍摄方位相反，这种构图形式大多用于表现人物的背部特征、或以人物后侧面作为前景来展示环境和背景特征。
在模特腰形、臀形完美的情况下，后侧面利于营造私密的、性感的、妖艳的、华贵的场面，暗示效果良好。
·背面构图：注意氛围的营造
相机位于模特的正后方背部构图不以模特的面部表情为主要表现内容，而长于体态、服装、环境的展示。
总之，构图形式只要与某些被摄对象特点以及主题思想相结合，能够深刻地揭示主题思想，并给人一种美感，就是好的作品。
3、光线的运用
认为外景的拍摄最重的是如何取景与光线的控制，取景决定画面风格与审美。光线的控制决定影调与色调。
·阴天多云的光线
这种散射的.光线很柔和，是人像摄影中比较理想的光线。在这种光线下人物的肌肤细腻、干净、有质感，而且人物在这种光线下眼睛也会很舒服。但这种 光线景物之间的反差较小，而且天空也过于单调缺乏色彩，但可以选用色镜或是相机的白平衡模式来改变天空的色调。例如：使用彩色模式拍摄时可选用橙渐变镜或 棕渐变镜等来营造黄昏效果或是相机采用冷调及暧调模式来改变天空色彩使用黑白模式拍摄时可选用灰渐变镜来压暗天空还可以选择较亮的背景加柔光镜营造淡 彩的梦幻效果等。
·阴天普通效果的拍摄
如果拍摄不带天空的普通背景可直接对人物脸部亮度进行测光确定相机的曝光量，此时人物的脸部使用反光板补光即可。由于人物的脸部与背景的反差较 小，可以使用闪光灯模仿晴天的逆光或侧逆光的效果照射人物的轮廓，闪光灯用作轮廓光时其照射指数要大于相机所使用的光圈数值0.5—1级左右。
·阴天以天空为主的背景拍摄
此时天空部分可加橙色渐变镜、中黄镜、棕色镜或是采用不同的白平衡模式等改变天空单调的效果。测光时在镜头前加上所需色镜对天空进行测光来确定相机的曝光组合。此时人物的脸部要使用闪光灯进行补光，补光的指数要等于或略大于相机所使用的光圈值。
另外也可以把闪光灯用作逆光或侧逆光拍剪影效果或亮一线效果。
2、晴天顺光、前侧光的光线
这种光线人物受光面积大，脸部比较干净，阴影少。但是景物之间明暗层次不明显，反差小，立体感差，并且光线直射人物面部，眼睛不舒服，此时人物的造型安排可多以闭眼浪漫的感觉为主。这种光线拍摄蓝天效果和绿水效果比较理想。
·蓝天效果的拍摄
测光时可按照天空蓝色主色彩的亮度进行测光来确定相机的曝光组合。人物脸部要使用闪光灯补光，注意补光的方向要与太阳光方向一致，并且补光的指数与相机所用的光圈值相同或是略小于相机使用的光圈值。人物另一侧还可以使用反光板进行补光。
如果要强调蓝天的效果，可在镜头前加灰渐变镜、偏振镜也可以减少天空曝光量压暗天空来加深蓝天效果还可以使用钨丝灯白平衡模式，在闪光灯前加雷登85镜片对人物补光来还原人物脸部肤色。
注意：当加偏振镜来压暗天空时相机的曝光量要加1级曝光补偿，此时闪光灯补光指数要比相机所使用的光圈增加1级补光量。3、晴天侧光、侧逆光、逆光的光线
这种光线能使景物产生明亮的轮廓线，并能充分表现出树叶和半透明物体以及纱类服饰的质感。同时景物之间反差较大，具有强烈的立体感与层次感，也 会使人物脸部出现许多阴影。但是这种光线是摄影中最常用的光线，是拍摄黄昏效果、剪影效果、梦幻效果、水光效果、白天拍夜景效果的理想光线。
·侧光、侧逆光、逆光普通效果的拍摄
选择在侧光、侧逆光、逆光照射下有光透感的背景，这种背景具有丰富的明暗层次。测光时按人物脸部亮度测光确定相机曝光组合，此时人物的脸部可以使用反光板补光即可。如果减少曝光量压暗背景拍摄，此时要使用闪光灯补光，闪光灯的补光指数要等于相机所使用的光圈值。
·黄昏效果的拍摄
选择以逆光或侧逆光的天空或水面为主要背景。测光时加上所需色镜以背景的主色彩的亮度进行测光来确定相机的曝光组合。相机镜头前一般可加橙渐变镜、棕渐变镜、中黄镜等来夸张天空的色彩。此时人物的脸部要用闪光灯补光，补光的指数可以等于或略大于相机所使用的光圈值。
·梦幻效果的拍摄
选择有侧逆光或逆光透射较强的背景，也就是选择有强烈明暗对比的背景。测光时以人物脸部的亮度进行测光即可。镜头前要加柔光镜或是中空柔镜，此时人物脸部使用反光板补光即可。
注意：当使用较长的焦距或较大的光圈拍摄时，梦幻效果更加明显。
4、晴天树荫下或阴影中的光线
这种光线具有阴天光线下的特点，但是树荫下的光线亮度与树荫外面光线的亮度反差较大，如果曝光控制不好就会使背景曝光过度失去一些色彩或是暗部明度大大下降丢掉一些层次。所以在阴影下的曝光控制是很关键的环节。
·阴影下人物的拍摄
先测出背景中阳光照射下主色彩的亮度值，再测出背景中阴影主色彩的亮度值，然后按两次亮度测光的平均值确定相机的曝光组合，另外还可以采用 18%的灰板在阳光下进行测光，所得到曝光值也是平均曝光值。此时人物脸部要使用反光板或闪光灯进行补光，闪光灯补光的指数要等于相机所使用的光圈值。
世界上最美的花.
美国最负盛名的现代主义女画家：奥基弗奥基弗
美国最负盛名的现代主义绘画先驱中，奥基弗(GeorgiaO’Keeffe，1887—1986)算是一位开拓先锋。虽然她认为其艺术无关抽象主义，但在其早期绘画生涯中曾经拥护过抽象创作。在1910年至1920年初期，她将新写实观念和观察细部构造的经验与局部特写巧妙地结合在一起。把赖以为主题的大自然抽象化，而在此抽象化的过程中增长了观众对于现代主义的认识。
奥基弗的画构图极简，给人一种平静、安宁的感觉。借着诗意的暗喻、张力十足的色彩及精准的线条，巧妙地平衡了画面，深入探索了既定题材的本质。关于她那宏伟却意象简单的花卉画作，奥基弗终其一生都否认弗洛伊德分析学派解析其作品的性象征说法。她曾坦言： “男人喜欢说我是最杰出的‘女画家’。我认为，我是最好的‘画家’之一。”事实上，奥基弗一直被誉为“二次世界大战前美国极为少见的原创艺术家”。
这位特立独行的艺术家，是美国本土艺术家中的传奇人物，也是少数几位将创作与人格合而为一的艺术家。难怪有人说，奥基弗的艺术就是她生命的证据。大自然对她一向有着强大的吸引力，美国西部无垠大地上的原始景象燃烧了她创作的欲望，让她浑然忘我地抒发内心的感觉。简单是她的风格。她喜欢独处，索居沙漠，义无反顾，被称为沙漠中的女画家。
1916年9月至1918年2月，得克萨斯州开阔的平原和峡谷首度激发了奥基弗的风景创作。那时，她已经在得克萨斯州教了一段书。她颇负盛誉的水彩之作“晚星”系列，就是此一时期的作品；松散、粗宽的笔触和饱和的色彩，传达了天地的宏伟。她喜欢引导学生从一只简单的编篮、野生的花草、平原落日、家常百衲被等日常事物去认识美。她曾说： “若将一朵花拿在手里，认真地看着它，你会发现，片刻间整个世界完全属于你。”
在照相的时候怎么去找最佳的角度呢?
《世界上最美的花》由水木年华成员卢庚戌作词、作曲，水木年华演唱，国内金牌制作组合“火星电台”亲自担任制作并编曲，于2015年10月22日首发。《世界上最美的花》一经发行，便迅速登陆全国十多个主流音乐排行榜，歌曲视频亦在知名视频网站同步发行。
歌词：
那是个童年生日的夜晚，你坐在爸爸妈妈的中间。
烛光照着你可爱的脸，你闭上眼睛许下心愿。
你许下心愿你要快长大，你要做世界上最美的花。
盼望那一天快些来到吧，你要做世界上最美的花。
可世界并不是你的想象，生命总有伤痛和彷徨。
像蝴蝶折断了美丽翅膀，狂风暴雨后只剩绝望。
最初的梦啊它去哪里啦，你要做世界上最美的花。
为何眼泪啊不停地落下，曾要做世界上最美的花。
人生是欢笑眼泪的舞台，不到落幕不知自己有多精彩。
迎着风雨啊骄傲地盛开吧，做一个悬崖上最美的花。
迎着眼泪啊不服输地笑吧，做自己心中最美的花。
就在现在啊坚定地绽放吧，做一个世界上最美的花。
迎着年华啊坚定地绽放吧，你就是世界上最美的花。
你就是世界上最美的花，你就是世界上最美的花。
你就是世界上最美的花。
扩展资料：
1、创作背景：《世界上最美的花》这是一首为女性创作的励志歌曲：“它是以女性视角出发的，希望每一个女性都能像童年所梦想的那样，在人生的舞台上，绽放自我。
近年来水木年虽然忙于演出与自导电影的筹拍，也没有忘记身为人父的责任。为女儿写就的这曲沾满浓浓父爱的亲情歌，不但将对女儿无暇的爱用歌词诠释表达，更以极赋韵色的民谣风铺垫出场。
2、歌曲鉴赏：“水木年华”这首歌，采撷了中国台湾原住民的山地民歌元素，融合海岛特有的蓝天花草意象。
听这首歌，你可感受到温婉轻柔的民族风格，却不觉得困乏无力，反而会在心底凝聚一注温暖而清澈的溪流，直达血液和皮肤，驻入每一个神经和细胞。整首歌曲干净纯粹、清新脱俗，细腻质朴又饱含关怀与温暖。
[解释]绘画时根据题材和主题思想的要求，把要表现的形象适当地组织起来，构成一个协调的完整的画面。
【构图】造型艺术术语。指作品中艺术形象的结构配置方法。它是造型艺术表达作品思想内容并获得艺术感染力的重要手段。
构图
composition
在摄影作画方面，多用于与画面组成相同的意思。 编辑本段|回到顶部来历 构图的名称，来源于西方的美术，其中有一门课程在西方绘画中，叫做构图学。
构图这个名称在我国国画画论中，不叫构图，而叫布局，或叫经营位置。也就是说，摄影构图是从美术的构图转化而来，我们也可以简单的称它为取景。
不论是国画中的布局，还是摄影中的取景，都只涉及到构图的部分内容，并不能包括构图的全部含义。因此，统一用构图这个称呼是较科学准确的。
研究构图的目的是什么？就是研究在一个平面上处理好三维空间——高、宽、深之间的关系，以突出主题，增强艺术的感染力。构图处理是否得当，是否新颖，是否简洁，对于摄影艺术作品的成败关系很大。
从实际而言，一副成功的摄影艺术作品，首先是构图的成功。成功的构图能使作品内容顺理成章，主次分明，主题突出，赏心悦目。反之，就会影响作品的效果，没有章法，缺乏层次，整副作品不知所云。 编辑本段|回到顶部原则 构图的基本原则讲究的是：均衡与对称、对比和视点。
1、关于均衡与对称
均衡与对称是构图的基础，主要作用是使画面具有稳定性。均衡与对称本不是一个概念，但两者具有内在的同一性——稳定。稳定感是人类在长期观察自然中形成的一种视觉习惯和审美观念。因此，凡符合这种审美观念的造型艺术才能产生美感，违背这个原则的，看起来就不舒服。均衡与对称都不是平均，它是一种合乎逻辑的比例关系。平均虽是稳定的，但缺少变化，没有变化就没有美感，所以构图最忌讳的就是平均分配画面。对称的稳定感特别强，对称能使画面有庄严，肃穆，和谐的感觉。比如，我国古代的建筑就是对称的典范，但对称与均衡比较而言，均衡的变化比对称要大得多。因此，对称虽是构图的重要原则，但在实际运用中机会比较少，运用多了就有千篇一律的感觉。
在构图中最讲究的是“品”字形和三七律。品字形构图和三七律构图的方式常被人们称为黄金构图法，也有叫做为永衡的三角构图法，这些都是指均衡而言。 什么是“品”字形构图？就是在画面上同时出现三个物体的时候，不能把它们等距离放在一条线上，而应使其呈现三角形状，像个品字。只要留意，这种三角在自然界中是无处不在的。大山就是由无数的三角形构成，上下交错，井然有序，犹如一个巨大的品字状或三角形，具有强烈的排列韵味。
什么是“三七律”构图？就是画面的比例分配三七开。若是竖画面，上面占三分，下面占七分，或上面占七分，下面占三分；若是横构图画面，右面占三分，左面占七分，或是右面占七分，左面占三分。在中国画界中这种三七开构图的布局被称为是最佳的构图布局比例关系。所谓最佳，并不是单一，或唯一，在特殊情况下，根据题材的需要，也是可以打破的，二八律或四六律也可以使用。本来艺术就讲究的是有法而无定法。总之，就是为了整个画面而考虑，去应用。 对于摄影师而言。如能把均衡与对比运用自如了，也就算掌握了摄影构图的基本要领了。
2、关于对比
对比的巧妙，不仅能增强艺术感染力，更能鲜明的反映和升华主题。 对比构图，是为了突出主题强化主题，对比有各种各样，千变万化，但是把它们同类相并，可以得出：
一是形状的对比。如：大和小，高和矮，老和少，胖和瘦，粗和细。
二是色彩的对比。如：深与浅，冷与暖，明与暗，黑与白。
三是灰与灰的对比。如：深与浅，明与暗等。
在一副作品中，可以运用单一的对比，也可同时运用各种对比，对比的方法是比较容易掌握的，但要注意不能死搬硬套，牵强附会，更不能喧宾夺主。
3、关于视点
视点构图，是为了将观众的注意力吸引到画面的中心点上。视点是透视学上的名称，也叫灭点。 要把视点说清楚，还得从视平线，地平线，水平线这三条线上说起。视平线就是与眼睛平行的一条线。我们站在任何一个地方向远方望去，在天地相结或水天相连的地方有一条明显的线，这条线正好与眼睛平行，这就是视平线。这条线随眼睛的高低而变化，人站的高，这条线随着升高，看的也就越远，欲穷千里目，更上一层楼就是这个道理。反之，人站的低，视平线也就低看到的地方也就近了，小了。 按照透视学的原理，在视平线以上的物体，如：高山，建筑等，近高远低，近大远小；在视平线以下的物体，如：大地、海洋、道路等，近低远高，近宽远窄，向上伸延左右两侧的物体。这样，以人的眼睛所视方向为轴心，上下左右向着一个方向伸延，最后聚集在一起，集中到一点，消失在视平线上，这就是视点的由来。 照相机的镜头就是根据人的眼睛和透视学的原理设计的。光圈好比人眼的瞳孔。瞳孔随着光线的明暗收缩或放大，所以用照相机拍出的东西和人眼看到的东西基本上是一致的。在某种意义上讲，用照相机拍出的东西比人眼看到的更为准确。有时用人眼看时，感觉不到相差的距离，似乎是在一个平面上，但拍成片子后远一点的物体就显的小了许多，这是因为透视所起的作用。 当我们知道了透视的原理，就可以充分发挥透视的作用了。如果想把物体拍大，只要将拍摄物体靠近相机；如果想把两面拍的大一些，使画面显的辽阔，就要把拍摄位置选择在高处，用俯角拍摄，就会得到满意的结果；如果想把物体拍出立体感，可以把拍摄角度选择在物体的侧面。 视点的作用是把人的注意力吸引到画面的一个点上。这个点应是画面的主题所在，但它的位置不是固定的。根据主体的需要，可以放在画面的上下左右任何一点上，不论放在何处，周围物体的延伸线都要向这个点集中。 如果一个画面中出现了两个视点，画面就分散了，作为观众就不知摄影者所要表达的主题在何处了。画面上只能有一个视点，这是摄影与绘画在构图上的最根本的区别。绘画讲的是散点透视，而摄影只能有一点，不然摄影的构图和画面就会乱。 在摄影作品中出现两个视点，大致有下列情况；一是把高大的物件放在画面中央，由于透视的关系，延伸线向着相反的方向延伸，造成了画面的分割；二是想在一个画面上表现多种活动，形成了多个中心；三是在选择前景时没有留意物体延伸线的方向，不是相呼应，而是背道而驰，这在视觉上也会形成画面的分割感。 编辑本段|回到顶部特殊性 摄影构图的特殊性，不是一次完成，而是分为两步；一是选择角度拍摄，二是照片的剪裁。 摄影构图的这种特殊原因是由于相机的局限造成的，照相机的种类虽然多种多样，就构图方式而言，只有两种，一是长方形，二是正方形。 对于取景而言长方形的构图优越性大一点，较好处理，而正方形的构图拍出的照中不分横竖，想拍横构图或竖构图的画面不剪裁是办不到的。就是长方形构图的相机，由于在拍摄时受到环境条件的制约，也难免会在构图时把不必要的物体摄入镜头，影响画面的美观。要去掉这些东西，同样得通过照片的剪裁才能办到。凡事预则立，不预则废。知道了摄影构图的特殊性，就可以变被动为主动，在按快门之前先把构图确定好，是拍竖画面还是横画面，做到心中有数。这样，拍摄时就可以把注意力集中在所要表现的主题上。如果照片拍出后个人认为有那么一点在构图上的不满意，便可以通过剪裁使画面更为满意，但在拍之前还是要做到多练，多拍，这样便会在心中有了一定的基础，无论做什么事，都能熟能生巧。懂了构图的原理，并不等于能拍出优秀的摄影作品，熟练了构图后又不是一蹴而就的，更需要下苦功练习最后才能得心应手。不管用什么办法练习，只要持之以恒，练得久了，就会在脑子里留下各种各样的构图。当你置身现场拍摄时，相应的构图就会自动跳出来供你选择，这就是多练的结果。除了自己多做练习之外，还要多看别人的作品，特别是优秀的作品。不论是绘画作品还是摄影作品，多看别人的构图，琢磨别人的构图构想，还可以多看电影，电视，MTV等，都是一种直接的借鉴。
古人云，不以规矩，不成方圆。构图的基本原理就是规矩，也就是均衡与对称，对比和视点这三条。但由于摄影者的艺术修养不同，观察事物的角度不同，创作出来的作品也是变化不一的。客观法则是不能违背的，但懂得法则的人却不会被法则所束缚。书法家林散之就说过： 守墨方知白可贵，能繁始悟简之真。 应从有法求无法，更向今人证古人。 这里讲的应从有法求无法，就是不能墨守成规，要有创新意识，不要受条条框框的束缚，打破约束，张扬摄影创作的艺术风格。只有这样才能做到不同风格，不同张力的表现自我，表现艺术风格，才能真正意义上的做到“青出于蓝而胜于蓝”。编辑本段|回到顶部方法 绘画也好，写文章也好，都要有章法、布局。在绘画中，所谓章法、布局就是我们所说的构图。
谢赫《六法》中称为经营位置也就是构图。为什么不说是分布位置而称为经营位置？这里说明作画是个要动脑筋，如何安排画面的问题。作画有了题材，通过画面传达给观众，使观众接受了你的想法和美感，从构思到画面，遇到的第一关即是构图。明代谢肇润税：'市故事便立意结构。同时代的另一画家李日华说：大都画法以布置意象为第一。可见取得好的题材，还不算万事大吉，紧跟着要研究主体部分放在哪里，次要部分如何搭配得宜，甚至空白处、气势、色彩、题词等等的细节都要反复推敲，宁可没有画到，但不可没有考虑到，这种推敲布置的过程即是一种经营。
画家常常不是通过一两张草图便能达到理想构图的，特别是中国画的构图，要考虑民族形式的特点，要考虑到便于发挥笔墨，便于物象的展开，既要多变化、多次层，又要求统一，关于这些特点，下面再分条叙述。
三远
北宋郭熙在所著《林泉高致》一文中提出山有三远，自山下而仰山巅，谓之高远；自山前而窥山后，谓之深远；自近山而望远山．清之子远，现分述如下。
一、高远
在《芥子园画传》的山水部分，总结有构图学上的一个普遍问题，就是高远、深远和平远的三远法，实际上是如何表现山水境界中的高、宽、深三度空间的方法。
《芥子园画传》中所说的高远，是从下面向上仰视，才觉得高远，我们今天应用透视学的观点，即把物象放在视干线上，就显得做岸兀立。在这部书中提出用泉水以助其势之高，如画雁荡山的龙激飞瀑，即应有高远之气势才好。但是书中的措泉助高，并不能把问题说得十分清楚，因为你把山画得再高，泉水画得再长，还是不及真山的千分之一高。怎样把象千例之高的大山画在尺幅之内呢？刘未对宗炳在历山水序》中指出，眼与山只要有了相当的距离，按照比例来画就行了，'坚划三寸就有千例之感；'舱里数尺即可体现百里之遥。比如为了夸大山之高峻，可以把人物、房屋、树木画得很小，如范宽的《溪山行旅日》，沈周的《庐山高图》，都是人小山大。有时也可把峰顶推出画外或隐入云层，使人不知山有多高多大。
画高的形势，可以把下部虚起来，如画山头用云虚断山脚也有崇峻之感，即郭熙所说山欲高，尽出之则不高，烟霞锁其腰则高矣。反之，如画极远的平川，可把上面虚起来，也会造成平川万里之势。
二、深远
由前面往里画出深奥之感觉叫深远。画中进深大，造成一种具有深远空间的意境。《芥子园画传》解释加强云气有深远感，宋代郭熙在《林泉高挪中也有所论述，水欲远足出之则不远。掩映断其脉则远矣。这种处理方法在表现云核秦岭'汽断巫峡时可以使用。有经验的山水画家，都觉得三远之中深远最难于体现。元代王蒙的《具区林屋图》，使用了四面环山，把幽深之溪谷层层透措，屋宇柿比送次，画出了难度较大的纵深之感。
三、平远
平远景色要画出前后左右辽阔的空间。平远画法大体上有两种：一种是矮山及丘陵的平远山水；一种是只有田园河流的平原大地。对于前一种画法《芥子园画传》强调用烟气加强平远之感，有了烟'气，便觉得苍茫辽阔。实际上无论高远、平远，这一点都是适用的。黄子久的《富春山居图》和优坡的《紫芝山房》就属于平远山水的类型。对于描绘平原景色的辽阔地貌，也可以用一些类似的手法，但主要还是应当利用景物的透视，如林带、田埂的透视，河流的纵横带来加强平远效果。一马平川的大地原是国画中难于奏效的画题，近代画家有用稻田波影来衬托白帆片片，也有用树木和房屋层层推远的。
三远之法，自郭熙提出之后，到了韩拙和后代的黄公望、王概以及曾到日本投徒过的费汉源，他们都对三远法有不同的发展。
郭熙还在三远中提到了三种色调感觉，那就是高远之别样，深远之色重晦，平远之色有明有矿结合他分析高远之势突兀，深远之意重叠，平远意冲融而缥缥缈缈、看来作者是作了深入观察后述。我们面对高山自山下而仰山巅，必然觉得山色楚明确，山峰傲立突出。如自山前降望山后，必然山色阴晦而重叠。如果是自近山而望远，这时会感由于远距离而使远山在空气层中产生缥缈模糊之感以上都是由于取景时画家与景物距离视线的方向，野的大小等差距而产生的。
开合争让
构图千变万化，实在不是几句话就能谈清楚的。但也不能因此就认为构图是神妙不可捉摸的，在这方面，古人也积累了不少经验，其中为国画家最常用的一句术语，就是开会争让之法。
清代郑绩在《论景》一则中提出凡布景起处直平淡，至中幅乃开局面，这是指开始布局之后，必须注意展开局面，既经展开之后，郑绩又认为要有分有合，一幅之布局固然，一笔之运用亦然，沈宗春把这比作下棋，国手对奕各不相争，亦各不相让……于此可悟画理，他所指的是大的开合和争让，认为。低手扭定一块，所争甚小，而大局所失已多。在国画章法布局中，正须避免这种小的开合和小的争让。
试从高克恭的《云横秀岭图》可看到其开台布陈之妙，值中巨峰突出，群峰拥簇有合掌之势，这是合；山头中部之 云，下部之水则是开；左右都有树林石坡，这是争；有高有低，有伸有缩之水胶，这是让。如此构图颇象善于写文章的名手，看到他笔下波澜的起伏，气象变动无穷，也看出作者胸中有丘壑，笔下有烟云的巧妙布置。
疏可跑马密不透风
清代著名书法篆刻家邓石如引述发展前人的名言字画疏处可以走马，密处不使透风。中国画家常借用这两句话强调疏密、虚实之对比，以反对平均对待和现象罗列。疏，指空的地方可以跑开奔马，当然是相当空间了；密，指密集的地方，连风都透不过去，当然是非常实实在在的了。
我们可从传为唐代李恩训的《江帆楼阁图》加以说明，他把山树人物等实在之物都集中在左边，树隙中又夹绘房屋，可谓密不通风，而右边则有一片沧海，点染一二风帆，使之空阔无际。若问这样的加大疏密的差距有必要吗？有的，所谓空白处不是无话可说，没有画意可寻了，它正是为了衬托密安部分增强空象，使它更能以少胜多，就象音乐中的休止符，使人有更多的泪旋浮想的余地，正是此时无声胜有声。
要善于借虚以见实，前人曾提出大抵实处之妙，皆因虚处而生是很有道理的。密处在构图中要更集中，更精密地刻画，使墨、色、线充分发挥效果，对比下感到白的更白，密处更密，更突出，更加强烈地给观者留下印象，从而发挥造型艺术的特长。虚与实不可分割，是构图法的两个方面，孤立强调任何一个方面都是不恰当的。
疏密聚散
与前一节意思相近，这种变化有时也可以用疏、密、聚、散四个字来形容。密与聚是画面上的实处，疏和散是指画的虚处，正如疏可跑马，密不通风一样，观者能在画面上看出大的节奏感来。但空不是简单的空白，而是三中也有象，我们试看八大山人的花与画，常常只画一花一鸟，单纯之极，纸上留出了大面积的空白，整幅．画面空虚处，让读者自己去发挥想象，可以想象为天空，为白云，为水波，造成极大的边旋余地。但只有空白不能成画，所以还要有密处说明问题，最忌的是平均布置，如请吴历棚天春色图人三组柳树，有聚有散，其土坡按一根S线布置，画的中部和远山，又尽量展开，以求舒散，引起观画者有山曲水幽之感，同时也为我们展示出如何处理疏密聚散的手法。
计白当黑
这句话也是来自清代书法家邓石如，计白以当黑，奇趣乃出，因为这一规律可通画理，国画家又把他的道理转用在绘画上，与此相近的说法还有，清代华琳在《南宗抉秘》画评中所说：于通幅之留空白处，尤当审慎。
中国画强调运用空白，对空白经营很用心，把它当有画的部位，同样费心思去考虑。为什么要留下一些空白呢？这好比戏剧、电影中人物的潜台词，如果把话都说尽了，没留下一点潜台词，这叫做平铺直叙。画面上展现一片空间，我们会感到画家的思想在这段空间里驰骋，这在米氏的云山画中是常见的手法，一片白云横在山腰，山随云活。但邓石如的深意还不止于此，他是要求没有笔画处的白，当和有笔画处的黑一样引起重视，认真经营，让白中也有内容，有画意，而不是一块闲置没有画到的白纸。这就要斟酌白与黑的措趁和呼应，如画一条长桥卧波，桥身是黑，水便是白，桥身如何布置便很重要，讲的位置合度，可以感到桥下的流水，引起对水的联想，类似这种空白，不是可有可无，也不是无话可说了，这是言外之言，物外之趣，意味无穷。艺术贵在含蓄，空白也是诸种含蓄手法之一。
布置之法势如勾股
清代画家邹一挂在他所著的《小山画谱》里，提出了一个国画的构图原理，这就把画面的布置，安排为三角形的勾股方为得势。勾股的三角形，也可以是直三角和斜三角。勾股的三根线，分别称为匈、股、弦．
欧洲的西画大师如荷蒙特里安爱用方格式构图，而中国画家之所以爱用三角形构图原理，可能更符合于中国画的表意性，便于表现山水花鸟构图的上轻下重，上小下大，引力向下的心理因素。避免板到。这是就总体而言，当然构图是无限丰富的，很难作执一之论，不应使它束缚每一画家的独创性。
前面讲过，中国画的构图也要运用一个破'牢，三角形对正方形来讲，便是破口均衡的方形，即使三角形本身，也可运用破字，如画石的大问小法，一块大石头，再间杂几块小石头，就会破三角形的一根弦线，潘天寿所示图例，即是三角形的互破之法。
正和偏、板和活、齐和不齐、均衡和不均衡、对称和不对称都是艺术表现形式的对立统一规律，在构图时要随时注意它的辩证关系，从主题出发，从主要的构思去寻找主要的构图之路。
藏景露景
国画构图有藏也有露，既不能全藏，也不能全露，这样才能画外有画，不致一览无余。然而何者该藏，何者该露，这要看主题内容而后决定。一般说来，主要人物应该露，次要人物应该藏，主要情节应该露，次要情节应该藏。
藏景是为了画面的含蓄，宋代毕史良的《溪桥策杖图》，策杖之人物则露，小亭则藏，这样以示隐士所去的地方-一竹林中的幽静小亭。画船只画布帆，画酒家只画酒帘，画大城市只画楼顶或高塔之尖顶，其余的用云断法或藏于绿树中，这样比全部托出，更饶有画意，所谓言有尽而意无穷，国画家最深知其中之妙趣。
但藏景不可尽藏，白居易《长恨歌》中犹抱琵琶半遮面，有遮有露，更显出演奏人的不凡和神韵。一味藏景，易使画面潜晦不明，一味露景则索然乏味。中国画的山水常常是亭显一角，船出半复用隐柳梢，石没半边，构成景物有限，味之无穷的境界。
补景点景
对以人物为主的画面来讲，再画一些环境为陪衬，这叫做补景。多数画家自己有计划的勾画草图，按顺序作画，先人物，后景物，以布景烘托人物，如季节、屋宇、陈设、情调都应符合于人物之需要。
环境不能脱离人物而随意增减，如果怕背景太空，随便点缀，加上不必要的环境和道具，看上去热闹，但离题太远，反而破坏了整体气氛。要把人物和环境放在一起考虑，每补一景，要考虑是否有助于形象，有助作画之意图。
创作历史画，要研究历史资料，清代范现曾说画人物须先考历朝冠服，仪仗器具，制度之不同，见书·籍之后先，勿以不经见而裁之，未有者参之，若汉之故事，唐之陈设，不贻笑予有识也！。
画现代题材会遇到新问题，如近代的楼房，汽车，笔直的马路，钢架的大桥，也会使画家难于措笔，一般采取退避，或者勉强去表现都是不对的。我想只要画家熟悉了中国画的笔墨技法之后，而且画面确实也有这种需要，也完全可以按照国画规律和程式，以上题材是不难表现出来的。当然应注意国画取材角度，尽量扬长避短。
点景与科景相反，对以风景为主体的山水画而言，人物及其他小点缀，称为点景，点景内容包括建筑、舟车、人物、动物都是点景中的对象。当然表现现代化的设施同样会遇到上面提到的难点，中国画家上在摸索表现的技法，采用传统的线条，去应物以象形，试把中国画用笔的勾、皱、点、染、破来描写新的对象，使板滞者活之，呆板者破之，机械者松动之，以此打破现代化设施中的直、板、刻之病。
点景中除了建筑、舟车之外，画好小的点景人物非常重要，即使是擅长人物的画家，也不见得都是这方面的高手，因为在山水中的人物，要寥寥数笔便能传神，且要与山水之笔致协；调，一般不作面部刻划，或者只点双目。山水画要把点景人物作为一门课题练习，经常对照生活中的人物写生，并学会简化概括人物的方法，经过体验练习，便可以掌握画小型人物的技法。
补景涉及到山水、花鸟两科。画人物的也要学会画花鸟山水；而画山水也需要人物、花卉为配置，所以学画的路子不宜过窄。
九朽一罢
用柳枝烧制出的炭条叫做朽。九朽是指起稿多次，才可以罢手以定稿，说明稿子是一幅画的关键。起稿子要经过多次修改，木炭条最便于更改，不满意处一样就掉了。如系工笔画，一般是用铅笔作稿子，然后用薄的宣纸或绢蒙在稿子上面，或用拷贝箱过下来再落墨着色。
自制拷贝箱并不困难，用一个大镜框嵌上玻璃，两边固定在一定高度上，下面再安装一只灯管或灯泡就行了。
中国画因为是铺在桌面上起稿的，起稿中构图的安排常常要经常挂起来一再审视，一时考虑不成熟的，还可挂在墙上观察琢磨，到有了完美的想法时再继续完成。编辑本段|回到顶部大忌 十二忌
元代的饶自然著有《绘宗十二忌》，主要是指出山水画中的十二个毛病，书中提出的十二忌是：
1．布置迫塞（章法拥塞，令人透不过气来）
2．远近不分
3．山无气脉（山石来去的脉络交代的不清楚）
4．水无源流（水口交待不清，泉水出现得太突然）
5．境无夷险（境界平板缺少变化）
6．路无出入
7．石只一面（画石缺乏立体感）
8．村少四技（树枝一般人只画出左右方向的枝杆，谁于表现向前后伸展的枝杆）
9．人物伛偻（人物画得弯腰驼背）
10．楼阁错杂（建筑物的布置没有透视感，并且缺乏合理的布局）
11．浓淡失宜（用墨的浓淡不得法，欠协调）
12.点染无法（包括用墨的点染失调）
这十二忌，在每幅画中，可能会犯其中的某一忌，有人物和建筑的山水画，则不可能出现九和十两忌。对于初学绘画的人来讲，可能会经常触忌，这是因为构思和技法都不够成熟，如果是属于点．染不得法者，那就要多多练习点染，如果是画山石缺．乏体，那就多体会一下面石头的方法，以弥补个人之缺点。内容来源:SOSO百科。
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