超写实素描属于一种绘画技法，并不是一种绘画体系。
1．构图与轮廓的勾勒：超写实素描的构图与通常长期作业的构图规律和要求大致相同，只是在摆置静物时，物品不宜过多，最简单到放置一块布，一件牛仔衣．一双旅游鞋，一件破陶罐等等。由于超写实素描描绘对象时几乎是面面俱到，物体相对又少．所以在构图上尽量要丰满，要完整，尽量使画面的物体不要被切。超写实素描勾勒轮廓最突出的一个特征就是用一根线来勾轮廓。准确并精练地勾画轮廓是超写实素描最重要的步骤之一，犹如一个框架结构的建筑，有了框架，墙体才有了依靠，门窗才有了依托。另外，超写实素描最后的效果必须是几乎看不到线条排列的痕迹。所以，勾画轮廓时先轻轻地把构图的位置确定好，然后再轻轻地把物体的外轮廓及内轮廓勾好，大致准了以后，便用一根线把所有的轮廓清晰的勾出来。勾画时一定不能用复线，要细心，还有耐心，彻底改掉以前用复线勾轮廓的方法，如果出现已有的辅助线或复线，要及时地用橡皮擦干净，勾好后不能在上调子时随意改动。
2．色调及肌理的精细刻划；超写实素描最后的表现效果是所刻划的对象本体上不能有明显的线条排列的痕迹，要把线条尽可能融化在物体色调与肌理里面去，千万要注意，在超写实素描画面里的各种物体不能有明显的主次之分，虚实之分．铺色调时也可以摆脱以前铺大色调．做大效果的方式，可以从局部画起，一步到位，从一个局部延伸到另外一个局部，直至完成整个画面。用细致人微的方法，把对象的色调和肌理表现的淋漓尽致，犹如身临其境，触手可摸，一幅超写实素描的作品才算完成。四、超写实素描的常见毛病超写实素描常见的毛病大致可以分为四种：“脏”、“腻”、“乱”、“花”。i．“脏”：脏是最容易出现的问题。超写实素描首先是画面要保持十分的干净，其次物体部分同样要保持干净，只有干净，物体的肌理才能充分的表现出来，而画面弄脏的原因，大部分是与画者执笔绘画时手背接触画面的接触面大，且来回磨擦有关系。所以绘画者执笔绘画时，手尽量不要接触画面．非要接触时，应用小指指甲顶着，并尽量不要来回磨擦。2．“腻”：腻的原因比较简单，一个是铅笔的重复次数太多，再一个就是用6B以上的软铅笔铺底也容易造成腻的现象。应注意的是应该先用3B_4B的画，画的过程后阶段，部分需要特别黑的地方用6B_8B的铅笔画，再一个就是绝对不要用手或工具去摸、去擦。
3．“乱”：超写实素描要求表现对象的质感或肌理时，不要明显的看到线条的组合，更不能为了追求排线的快感，且用乱七八糟的线条来宣泄自己的个性。因此，线条的排列组合要规整，不能留有表现肌理质感以外的乱线条。
4．“花”：这种情况出现的不多，主要指在色调的处理上深一块浅一块，色调过渡不均匀，只要在色调的过渡上注意一点就能解决。超写实素描并不是完全传统的技法，也不是最前沿、最新潮的观念，把超写实素描引入教学的目的就是为了培养学生的一种细心观察、耐心制作的能力，特别是学习工艺美术的学生。这种能力对于今后走入社会，适应工艺美术方面的工作是有很大作用的。
超写实素描怎么画？
超写实绘画技巧
“超写实”它是属于写实的范畴的，是更进一步的写实，更惊人的再现。下面是我整理的超写实绘画技巧，欢迎查看，希望帮助到大家。
超写实绘画技巧
①、构图与轮廓的勾勒
超写实素描的构图与通常长期作业的构图规律和要求大致相同，只是在摆置静物时，物品不宜过多，最简单到放置一块布，一件牛仔衣。一双旅游鞋，一件破陶罐等等。由于超写实素描描绘对象时几乎是面面俱到，物体相对又少。所以在构图上尽量要丰满，要完整，尽量使画面的物体不要被切。
超写实素描勾勒轮廓最突出的一个特征就是用一根线来勾轮廓。准确并精练地勾画轮廓是超写实素描最重要的步骤之一，犹如一个框架结构的建筑，有了框架，墙体才有了依靠，门窗才有了依托。另外，超写实素描最后的效果必须是几乎看不到线条排列的痕迹。所以，勾画轮廓时先轻轻地把构图的位置确定好，然后再轻轻地把物体的外轮廓及内轮廓勾好，大致准了以后，便用一根线把所有的轮廓清晰的勾出来。勾画时一定不能用复线，要细心，还有耐心，彻底改掉以前用复线勾轮廓的方法，如果出现已有的辅助线或复线，要及时地用橡皮擦干净，勾好后不能在上调子时随意改动。
②、色调及肌理的精细刻划
超写实素描最后的表现效果是所刻划的对象本体上不能有明显的线条排列的痕迹，要把线条尽可能融化在物体色调与肌理里面去，千万要注意，在超写实素描画面里的各种物体不能有明显的主次之分，虚实之分。铺色调时也可以摆脱以前铺大色调。做大效果的方式，可以从局部画起，一步到位，从一个局部延伸到另外一个局部，直至完成整个画面。用细致人微的方法，把对象的色调和肌理表现的淋漓尽致，犹如身临其境，触手可摸，一幅超写实素描的作品才算完成。
超写实素描的常见毛病
①、“脏”
脏是最容易出现的问题。超写实素描首先是画面要保持十分的干净，其次物体部分同样要保持干净，只有干净，物体的肌理才能充分的表现出来，而画面弄脏的原因，大部分是与画者执笔绘画时手背接触画面的`接触面大，且来回磨擦有关系。所以绘画者执笔绘画时，手尽量不要接触画面。非要接触时，应用小指指甲顶着，并尽量不要来回磨擦。
②、“腻”
腻的原因比较简单，一个是铅笔的重复次数太多，再一个就是用6B以上的软铅笔铺底也容易造成腻的现象。应注意的是应该先用3B_4B的画，画的过程后阶段，部分需要特别黑的地方用6B_8B的铅笔画，再一个就是绝对不要用手或工具去摸、去擦。
③、“乱”
超写实素描要求表现对象的质感或肌理时，不要明显的看到线条的组合，更不能为了追求排线的快感，且用乱七八糟的线条来宣泄自己的个性。因此，线条的排列组合要规整，不能留有表现肌理质感以外的乱线条。
④、“花”
这种情况出现的不多，主要指在色调的处理上深一块浅一块，色调过渡不均匀，只要在色调的过渡上注意一点就能解决。超写实素描并不是完全传统的技法，也不是最前沿、最新潮的观念，把超写实素描引入教学的目的就是为了培养学生的一种细心观察、耐心制作的能力，特别是学习工艺美术的学生。这种能力对于今后走入社会，适应工艺美术方面的工作是有很大作用的。
超写实素描诀窍
“素描”是一个很古老的词语，许多人都已经为它下了无数的定义、做了无数的解释和图示，似乎不需我再补充点什么了，我只需多去图书馆看看书、多问问老师、多画几张静物、石膏像、人体和速写就可以学好素描，我以前确实是这么想的。但我没有想到我现在能这样迷上素描，花一年多时间来画素描、研究素描，用整整三个周的时间来画一张“全因素”的素描。更没想到这种写实性素描还能有如此丰富的表现力和生命力，它改变了我对许多问题的看法，借此机会我想谈一下我对于写实性素描的一些理解。
素描是油画的基础，俗话说有什么样的素描就有什么样的油画，每一种流派和风格的油画作品都相应于各不相同的素描基础，要画写实性油画就需要写实性素描基础。写实性素描一直以来都是在教学当中扮演“基本功”的角色。世道变了，各种绘画流派在中国都有了，表面上看来写实性绘画不太吃香，写实性素描的日子也不好过。有些人甚至提出素描基础够用了，我们已经不需要写实性素描训练了，应该把写实性素描训练从基础教学中剔除，其实他们是把绘画的范围定义窄了，进而把素描基础的范围定义窄了。
画的写实画没有错，写实有写实的魅力，而且这完全是因人而异的，艺术的发展方向本来就不是由几个理论家决定的。画写实的素描更没有错，关键是你要画什么样的油画，你要发展出什么样的艺术表现形式你就需要什么样的素描基础。我要画出在空间中的人体，就需要学习如何用素描画出在空间之中的人物形体的基本功。我要在我的作品中画出物体间正确的比例透视关系，那我就需要掌握一种如何正确找准物体之间比例、透视关系的素描基本功，在写生中更多得注意各物体之间的色调、质感等的表现就不是很重要了。如果一个学生希望将来成为个“表现主义”艺术家，把一张人体素描画的面面俱到大概就没有必要了。所以，没有基本功够用不够用的，只有你需要什么样的。在出国看到了达芬奇和伦勃朗等大师的原作后，我深深地感到我们的写实能力还差得很远，现在写实的绘画不少，各种风格都有，有学这个的、学那个的，就是没几个学到位的，还真没几个画到“超写实的”，其实都是因为素描上还没到位，我们的写实性素描基本功不是够了而是还远远不够。
素描就应该是写实的，不存在非写实的素描。写实性素描应该是人的一种对自然界最朴素的描绘方式。一方面，它可以反映出一个人的兴趣点、个性和其身体内部那种神秘的气质，它是每一个人的个性的最朴素的表现。伦勃朗和达芬奇的素描差别很大，何尔拜因和丢了的素描就是外行人看来也能感觉出它们之间的不同，这些差异都是他们独特的个性不同所造成的结果。另一方面，一幅素描作品必然是自然的反映，不存在超自然的素描，它反映的可能仅是自然现象的某一方面的要素，但无论达芬奇的素描手稿还是伦勃朗的小铜版画，它们都是源于自然、源于生活、源于我们人类可见的世界。因此，每一个物体都存在于光线的包围中，有光、有影、有虚、有实，一个正常人的眼睛看到的理应是一个存在与空间之中的完整的形体，有近、有远、有前、有后，这不是鱼的眼睛、牛的眼睛、蜻蜓的眼睛所能够看得到的。我们看到的世界就是“现实的”，无需“用孩子的眼睛看世界”、“用牛眼观察”，我必须相信我眼前的世界是真实可信的，并把这一信息通过作品传达给观众。
必须被作品中所反映的真实性所感动，才有可能感动别人。我们应该努力去学习、去研究、去试验，以“再现”出我们眼前的现实，既为写实。
超写实素描和结构素描的对比
学习写实素描，不得不提到素描的本质。关于素描的本质问题在很多书籍上都有表达，虽然说法不尽一致，但万变不离其宗---形体，空间。对于写实素描来说，我们所做的一切努力都是为了表现客观对象的形体和空间，（同时也注入了艺术家的审美情感），形体和空间的意识贯穿于作画过程的始终。大凡比较优秀的写实素描作品，作者无不在形体和空间上倾注了大量的心血。拿意大利文艺复兴时期的画家来说，在形体和空间的表现上个个都是高手，甚至对它们的研究提升到科学的高度，在他们的素描作品中虽然着笔不多，但是仅以线条就已经表现出了形体空间以及艺术家本人的情感，线条的粗细、轻重、缓急和不同走向无不暗示了形体和空间。由于绘画具有主体性，不同艺术创作主体对客体的感受不同，对形体空间的理解不同，从而对形体空间的处理上体现了不同的方法但他们的目的殊途同归。在中国的写实派画家中，普遍都有着硬朗的素描功夫，并且大部分时间都致力于对素描形体空间的研究，靳尚谊先生是典型的代表，从他大量的素描作品中可以看出靳先生所倾注的心血，在他看来形体和空间就是素描的灵魂。所以笔者认为，在写实素描写生中一定要抓住灵魂性的东西，本质性的东西，脱离本质的任何现象都是毫无存在价值的。不认识、不理解事物的本质，也就不可能真正理解现象，反而会被现象所迷惑，从而产生某种盲目性。 在写实素描写生中，首先充斥绘画主体眼睛的是存在一定空间中的客观形体，继而才是对客体的感受，绘画主体的情感是物化在对对象形体空间的表现中的，对于写实素描来说，它处于从属地位，形体空间才是本质的东西。形体和空间直接或间接地也体现在了其他造型艺术中，这就决定了写实素描写生的基础性，素描造型能力是在写生中训练出来的。正如王华祥所说：“对于写实的训练，素描可以确切地告诉学习绘画的人：如果你喜欢绘画，那么你一定要先练练素描，如果你喜欢写实绘画，那么你一定要先学习素描。”（1）素描具有独立的语言，它本身就是一种绘画形式，有其独立的审美价值。 1.2：素描中的美-----作品反映出的“真” 素描是一种绘画形式，所以也就具备了独立的审美价值，必然要提升到美的层面上去欣赏它。在绘画中如果只注重画面的形式，而不考虑所表达的内容，虽然在一定程度上能够吸引欣赏者的眼球，但这只是暂时的，这种形式上的美是肤浅的，做作的，因为它没有体现出艺术中的“真”，艺术中的“真”并不等于生活真实，而是通过艺术家的创造性劳动，通过提炼和加工，使生活真实升华为艺术真实，也就是化“真”为美。我们在画一片花瓣时，只看到它的外观和颜色，而不倾注个人的真实感受，画出的花瓣虽然很逼真、漂亮但它是匠气的，僵死的，没有生命力的。当我们真正投入的去研就它，感受它，我们会发现其本质的东西，即客观对象的“真”这样出现在我们画面上的花是有生命力的，饱含水分的，是美的。在一幅写实素描肖像中，如果我们看到的仅仅是毫无表情的纤巧与矫伪自命为高雅的姿态，那么这种作品是谈不上美的。在一幅真正美的素描中，我们可以感受到作者所融入的情感，可以了解到对象的生活阅历和身份，更甚者可以感觉到模特跳动的脉搏和当时的心里活动以及精神状态，这样的作品是成功的，是美的，它展现给我们的是一个活生生的人物形象，它不仅流露出作者的真实感受同时也体现了画面内容的“真”，达到了内容与形式的统一。法国著名雕塑家罗丹讲过：“没有一件艺术作品单靠线条或色调的匀称，仅仅为了视觉满足的作品，能够打动人的”。（2） “人们以为素描本身就是一种美，殊不知它的美全靠着它所传达的“真理”与“情操”。人们赞美那些艺术家，因为他们苦心勾描轮廓，把他的人物安插得十分巧妙，人们对着并非从自然中研究出来的姿势出神，称之为“艺术的”，只因为这些姿势可以令人回想起意大利模特儿所装出来的娇媚。人们所谓“美的素描”，其实只是娱乐庸众的矫饰的技巧。素描之于艺术有如风格之于文学。凡是装腔作势，搔首弄姿以眩人的风格，必是最坏的；只有使读者完全沉浸到文中所讨论的问题中去，激动他们的感情而忘记文字的风格，才是上品。以素描为装点的艺术家想使人称誉他的风格的文人，正如穿了军装在街上高视阔步而不肯上战场的兵士，与整天摩擦着犁铧而不去耕田的农夫一样。真正美的素描与风格是令人为它所表现的内容所吸引，而无暇称颂它们本身。人们叹赏拉斐尔的素描，那是应该的，但足以叹赏的并非素描本身，并非几条巧妙地勾勒的均衡的线条，而是它所包含的意义，是拉斐尔眼里所看到的，手中所表现出的柔美的精神，是从心底流出的对于自然的爱。我们应该叹赏米开朗琪罗的素描，但也并不是叹赏几条线的本身，并不是他的大胆的省略与解剖，而是这巨人的悲号与失望的热情。”（3） 在素描写生中用朴素的眼光去观察客观对象，以朴素的感觉去描绘它的真实，让我们真实的感受注入其中，使之与客观对象的真实相交融，达到主观与客观的统一，这样作品流露出的情感才是真实的，感人的，这样的作品才能上升到美的层面。 第二章：素描写生中应注意的几点问题 2.1：要注重整体意识的培养 整体意识贯穿于作画过程的始终，从起稿到深入直到作品的完成，都处于主导地位。对形体的整体特征、整体效果、整体美、整体气质、趣味、意境，气韵等的感受能力、判断能力、把握能力和表现能力，体现出画家的一种整体意识素质。整体有两层含义，即观念上的整体和操作上的整体（整体方法或步骤）。这两者是相辅相成的，缺一不可，观念上的整体是操作上整体的前提和先导，而后者则是前者的深化和验证，是前者实现的基础。 一幅作品的成败，整体意识起到了决定性的作用。我们在观察客观物象的时候，首先看到的是对象整体的形状和整体感觉，在深入的过程中要整体进行，不要死盯着局部画，否则画面会出现灰、花等毛病，甚至支离破碎，这样的作品是谈不上美感的。这种整体意识是非常重要的，任何技法的训练和学习都应以整体意识的强化为前提，否则技法很可能变成死板的、琐碎的、缺乏感情色彩和乏味的东西。把握好整体首先要处理好整体和局部的关系，整体由局部构成，整体离不开局部，局部受整体的制约，它们是辨证统一关系。在没有整体特征的情况下，局部特征即使再准确也会失去存在的意义，局部特征失调，也会影响整体形象。任何形象的根本特征首先来自它的整体和全貌，局部特征只是处于从属的地位。比如在画一幅肖像素描时，我们首先要注意模特头部的基本形，是偏长的，是偏短的，还是偏圆的以及方的等，这样在我们脑海中就有了模特整体的特征，进而把握住模特的局部特征，逐渐在深入中充实整体特征。如果把握不住整体特征，即使局部再象模特也是毫无意义，因为我们要的是整体特征的贴切，而不是只要一只眼睛或一个鼻子等，正如安格尔所说：“塑造人物不要只抠细部，要同时兼顾全局，正如人们所正确指出的画的是整体。”（4）拿一幅色彩作品来说，我们要的是整体的色彩效果和气氛，而不是局部的某一块颜色，没有整体色调的色彩作品，哪怕局部颜色再漂亮也毫无价值可言，显然这样的作品是失败的。对于一幅绘画作品来说，我们首先要注意局部的刻画和整体效果的完美统一，不能顾此失彼，尤其不能只顾局部效果的表现而忽略整体效果的完美。例如有的素描其背景画得十分充分、完整、细致，而主体形象却显得软弱无力或不够充分，若减弱背景的刻画，效果会更好一些。又如，有的素描把人物的服装画得很具体，质感也很强，人物面部形象却不够深入，缺乏分量，若减弱服装的刻画程度，效果也会更好。这些问题的产生主要是缺乏整体意识的缘故。 掌握科学的观察方法，提高观察能力，可以改善整体意识，但整体意识的养成和加强还有赖于艺术修养和审美能力的提高。由于观察的正确、深刻，画者能把客观形象画得准确、细致，但这不一定意味着画者的整体意识一定很强。整体意识并非只靠单纯的直观和一丝不苟的平铺直叙的表现所能取得和体现的。 在素描学习的高级阶段，画者的整体意识在作画之前以及作画的始终都应处于主导地位。素描的内容、形式、效果、风格等等，应在整体意识的支配下热情奔放地呈现于画面之上。这时画者所追求的已不再是简单的客观再现，而是感觉上的准确与生动。对于造型艺术来说，感觉上的准确与生动是艺术表现的最佳境界。 2.2：造型不等于照抄客观对象的形 造型并不是照抄客观对象的形。表现在画面上的造型，是在尊重客观对象的基础上，画家根据自己的感受提炼加工创造出来的形象，它的精准是艺术化了的视觉上的舒服，是一种更高层次的美，是一种艺术化了的形象。由于绘画具有主体性，所以不同的绘画主体对对象的感受是不同的，所以表现出的形象在感觉上是有差异的。我们在画对象大的基本形和感受时，要切记徐悲鸿先生提出的“宁过勿不及”这一观点。例如，对象是胖的我们可以画的更胖一些，对象是倾斜的我们可以画的更倾斜一些，这样我们才能把对象大的感觉画足，画到位。所以在画模特形象的时候作出适当的夸张是有必要的，首先是在尊重对象的基础上，目的是画出我们心中的形象。 2.3：正确看待深入 深入的过程是逐渐完善客观物象的过程，充分表达出对对象感受的过程，它是一个反复调整的过程。它不是一个终结的点，而是一个接近接近再接近的过程。深入首先要整体着眼，然后局部刻画，我们要把对象带给我们的感受画足画到位。它不是照抄对象，往画面上一遍遍的加调子，这样的画面很容易画的越来越黑（这是初学者经常犯的错误，但是好多画了很多年画的人不理解深入是怎么回事也会出现同样的情况）。正确的深入应该是找对比，找变化，完善客观对象，之所以它不是一个终结的点，是因为光线始终在变，对象的状态始终在变，同时绘画主体的感觉也在变，所以不可能真正把一幅画画完，只是在保持整体的前提下相对的完整。例如，我们画一幅写实素描头像，深入时我们要把对象的形体空间做的越来越充分，形象越来越完善，把明暗层次拉开，亮部和暗部的灰颜色变化找出来（尤其是亮部灰颜色的变化），亮部的高光区分开，脸上横向和纵向的灰颜色变化找充分（当然要根据时间的长短来处理画面）。在另一层面上我们还要把模特脸的局部之间的质感区别开，把模特的感觉画的越来越贴切（做到这一点一定要仔细的观察模特，注意每一个小细节的变化，例如眼皮的弧度，眼角、嘴角、鼻孔等），只有这样才能画出一幅生动的全因素素描。同时深入的过程又是一个反复调整的过程。当然培养这种深入的能力也是一个过程，它需要时间和量的积累。 在另一个层面，从哲学的角度看，笔者认为深入的过程是辩证法中矛盾规律和否定之否定规律相结合的过程，是这两种规律促使主体进行深入的，由于我在这方面知识的欠缺，所以只能浅层解释它们的作用。例如当我们在画面上画第一笔的时候，就已经打破了整张白纸的和谐，这就促使我们去解决这个矛盾，我们所做的是要给这张纸创造另一种和谐，这种和谐就是一幅完成的画，我们是不断的制造着矛盾，促使我们不断地去解决它。在刚开始画的形我们认为它是对的，但随着时间的推移和绘画主体感觉的变化，会发现刚开始画的形象不太符合自己的感觉，这就促使我们去调整它，然后随着时间的推移有要在一定程度上去调整它，让它符合自己的感觉，这样在深入过程中就经历了从自我肯定到自我否定，又到否定之否定。矛盾规律和否定之否定规律体现了深入的完整只是相对的完整，深入是一个接近接近再接近的过程，是一个反复调整的过程，而不是一个终结的点。 2.4：正确理解写实素描的“细” 素描画的细不细不等于调子涂的细不细，他的精到和细致在于绘画主体对客体的对比关系做的到位不到位，形象刻画得贴切不贴切，感受表达的充分不充分。在我大学期间，很多学生认为调子排的匀一些，磨的光滑一些就是细，这样就大错特错了，因为只看到了表面，没有把握住一幅好画本质的东西，如果我们这样欣赏一幅素描作品的话，那么眼光和普通人是没有区别的。我们应该用艺术家的眼光来欣赏作品，去发现作品本质的东西，有品位有讲究的东西。一幅刻画得比较精到的素描作品是对比关系和感受做得比较充分的作品，包括灰颜色的丰富性，质感的对比，虚实强弱的对比等等。这和调子上的细不细是没有本质上的关系的，调子涂的再细，如果没有这些对比关系也只是照抄对象的乱涂。基于这一点，笔者认为眼光的提高是有必要的，对于一个搞艺术的人来说，要想画出好作品，必须要会欣赏好的作品，要知道它好在哪里，为什么好，哪些东西是美的，哪些东西是有讲究的等，归根结底是要知道什么样的画是一幅好画，否则就算我们画出好东西我们也不会注意到它，反而会被我们无知的盖掉或去除。 第三章：向真正的艺术家迈进 3.1：从质变到量变，从必然到自由 艺术的道路是无止境的。素描作为一种独立的绘画形式来说，对它的研究和学习也是一个长期的过程，但是做学生的时间又是短暂的，所以一定要珍惜学生时代，踏踏实实的去研究素描，大量的进行素描写生，这对我们以后的创作大有益处（当然不同艺术追求的人另当别论）。要正确对待绘画过程的不同时期和不同时期出现的问题，例如在刚接触人体素描的时候感觉难度很大，经过一定量的训练就会发现自己的进步，这个过程进步的空间很大，不过要达到另一个高度就很难了，可能还会出现徘徊期，这个时期可能会很长，也可能很痛苦，这个时候一定要静下心来，正确审视自己，要坚信有量的积累一定会有新的突破。初次接触人体素描时，可能感觉驾御不了画面，总是被对象牵着走，这是一种正常的现象，不过经过眼光的提高和整体意识的加强以及量的积累，就会逐渐地变被动为主动，能够驾御画面，达到一种自由的状态。 3.2：激发个性，形成自己的风格 每个人都有各自不同的性格、特点，或者称作个性。个性的形成既有天赋的因素，也有环境的影响，受教育的程度，个人的经历等客观的因素。对于艺术，个性往往能体现各个人对美的理解和追求，如强烈、柔和、优美、粗犷、朴素、富丽、繁缛等等。艺术样式或格调反映了作者本身的个性特征，换句话说，个性能决定一个人对艺术样式的选择，这是一。其二，由此也就产生了相应的表现方法，对于绘画来说，就是各种绘画技法的选择乃至创造。所谓绘画技法，即造型、色彩构图等一切描绘手段。样式与格调是绘画手段造成的感觉，如果说后者为实的话，则前者为虚，一虚一实构成了绘画作品的全貌，当然不能说这个面貌是由个性直接决定的，因为要变成一个美术家需要有一个相当长的学艺过程，但在整个学习过程中某个人喜欢强烈的效果，某个人喜欢柔和的效果，各取所爱，就会出现不同的画面效果，有时出于种种原因，个人的喜爱也可能转变或转移，变与不变都有个性的作用，这就是我们所说的个性和作品面貌的关系。 艺术需要多种多样，这是由生活的丰富性和人们的要求所决定的，对于绘画，千姿百态的画面正是吸引观众的重要因素。所以个性和艺术创作有着紧密的内在联系，一般来说艺术创作的风格取决于个性，但是个性不等于风格，艺术个性是形成艺术风格的萌芽，艺术风格的成熟需要经历艰苦、曲折，甚至是漫长的历程，初学者往往对风格缺乏深刻的认识，误以为画面中的个性表现就是风格，这种浅薄的认识往往会导致浮夸，是学习的大敌。 随着对画面控制能力的提高，每个人都会发现自己作品中潜在的个性因素，从而萌发追求自己艺术风格的意识。广义地说，风格是每个人认识事物和反映事物的总和，由于个性上的差别，会产生不同的格调，也会产生各自的风格，但是有了风格的作品不见得都是好作品，因为风格本身是有雅俗之分的。所以风格被认为是艺术家成熟的标志，所谓成熟，必须有较高的审美修养和艺术造诣，没有这样的基础就形成不了真正的风格，因此所有学画的人不能全都成为有风格的画家，在整个画坛中，成了画家却没有形成自己特有的风格是常有的事。由此可见风格又是艺术家成就的标志。 在学习素描的过程中，要认识到过程的长期性和曲折性，在深刻掌握程式化的基础上，同时也要激发自己的个性，认清艺术个性与艺术风格的关系。努力提高自己的审美修养和艺术造诣，形成自己真正的风格，想真正的艺术家迈进。 结束语： “拳不离手，曲不离口”，这是先辈艺术家长期艺术实践获得成功的经验之说。学素描，是艺术门类之一，所有艺术门类都具有较强的技术性。要学好一门艺术光靠口头上说说是不行的，必须长期下苦功去学习，去磨练，否则是难学出名堂的。学素描同样要付出辛勤劳动的代价，才可能达到熟练的地步。所以我们要刻苦努力，多练多画，积累实践，不断提高专业水平。总而言之，素描是一门造型艺术的基础学科，有其严密的系统的学习内容和一套严格的作画方法，我们务必认真对待。把握好素描的本质和素描中的美，正确对待素描写生中的各种问题，练好本领，为美术创作打下牢固的专业基础，使自己的艺术道路走的更加久远。
怎样画好花草素描
超写实素描和结构素描的对比是，超写实素描很机械的绘画，只要反映真实的客观画面不追求主观艺术，超写实需要很高的功底的。结构素描，又称“形体素描”。这种素描的特点是以线条为主要表现手段，不施明暗，没有光影变化，强调突出物象的结构特征。
相关信息
1、素描与速写本是一家，它们之间的关系都很微妙。速写比素描更简练，素描需要花一定的时间和功夫去完成，在画的整体中要达到唯美，准确的表带好自己的画的意图。速写更加讲究的是感觉、手感、灵感与速度。目的是为了练笔，和扑捉灵感。素描是完成一幅完美的画。
2、素描是相对理性，对自己所画的物体要分析、研究，再开始下笔。各个物体之间要调配、颜色、感觉、大小等。严格的考虑过后才构图，最后决定一幅画的完美程度在于所画的物体上，每一个物体之间都要有深层次的研究等。
3、全因素素描概念，物体在受光的情况下会产生受光面、背光面、投影灯很多变化，全因素素描就是以线条为表现手段，给画面施加明暗，画出物体的受光面、背光面、投影灯，强调物体在光照下的明暗变化。
4、全因素素技法表现：全因素写实表现，对画面的多种要素做全面的要求和反映，强调对客观物象的真实描绘，注重物体真实感的准确再现。超写实表现，将写实运用到极致的一种表现性素描，类似于黑白照片。
5、结构素描概念技法表现，以线条为主要表现手段。着重对客观物体的结构特征进行描绘。结构素描画面上的空间实际上是对物体三维空间的理解和把握。对物体的明暗、质感、光影都不注重，不需要画物体的光影效果，也不需要表现物体的质感。
素描花草技巧
1、勾线起笔顺序
为不蹭脏画面，一般白描勾勒大致要从上到下，从左到右顺序勾下来。
2、如何表现结构之前后关系
当两条线相遇，一线在前压住另一条线，即为前压后。
3、边缘线与折面线的处理
花叶的轮廓线大致可分为两类不同的线条：一种是叶片和花瓣转折时产生的折面线和花叶的主筋。另一种是叶片、花瓣的边缘线要用顿挫、起伏、有粗细、连断等多种变化的笔触，以表现花叶曲折丰富的变化。这两种线条既有对比，又要统一，既表现了花叶转折变化的多姿，又要有线条本身的节奏和韵律
4、线条的浓密粗细 白描花卉不用色彩，只靠用笔墨的变化表现花卉的质感。做画时一般用淡墨和较细的线勾花瓣，以重墨和较粗的线，勾叶、茎、花萼等。花丝用中或淡墨，花药则用最焦浓的墨。色彩深及厚硬的地方用线粗重、方硬，色彩浅及薄嫩的地方用线轻细圆柔。
5、白描花头的用笔及注意事项
（1）牡丹、梅花、山茶的花瓣一般从花瓣基部起笔。荷花、菊花、百合等花瓣可从尖端起笔。玉兰、月季等花瓣厚硬，勾线应挺拔有力；牡丹芍药等花瓣勾线可用细线颤笔，用笔潇洒些。
（2）花头外轮廓要有参差、圆缺之变化。
（3）花筋的处理：花筋不明显的不勾花筋，如梅花、海棠等。花筋明显的必须勾好，如辛夷、牡丹、杜鹃等。
（4）花蕊是勾点：花蕊一般放到最后，并精心点好。花丝要勾的细而有力；花药一点成型。
2、素描勾叶的各种变化及注意事项
勾叶：勾叶多从柄起笔，由粗而细向尖端勾去。叶的尖端三线交界处要求错开，这样勾出来的线生动有变化。
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